•   BLACK SWAN

    Les Compères

    Le sympathique Jeff Pilson, plus connu en tant que bassiste de Dokken et de Foreigner, nous parle du nouveau supergroupe du label Frontiers, Black Swan, qu’il a formé avec ses potes Reb Beach (Whitesnake, Winger) et Robin McAuley (MSG, Survivor) ainsi que du flamboyant batteur Matt Starr (Ace Frehley, MR. Big). L’album Shake The World est le coup cœur Classic Rock du premier trimestre 2020. [Entretien avec Jeff Pilson (basse) par Philippe Saintes  - photos : Enzo Mazzeo]

     Black Swan Band

    Jeff, tu avais travaillé autrefois avec Robin et Reb. Black Swan était une opportunité de collaborer à nouveau ensemble ? 

    Tout à fait. Après une entrevue avec Serafino (Perugino), le boss de Frontiers, durant laquelle nous avons évoqué la possibilité de créer un nouveau projet, je suis parti en tournée avec Foreigner à l’été 2018. Nous avons partagé l’affiche avec Whitesnake dont Reb est l’un des guitaristes. J’ai immédiatement proposé à Reb de participer à cette nouvelle aventure. La complicité entre nous a été immédiate lors de l’enregistrement de Erase the Slate avec Dokken (1999). Nous avons gardé contact. Même remarque concernant Robin, un camarade depuis plus de trente ans.  J’ai été son témoin de mariage. Donc, j’ai effectivement eu la chance de travailler avec des artistes que je respecte énormément et qui sont des amis. L'alchimie entre nous, on en a à revendre. Cette complicité se retrouve d’ailleurs dans les chansons. Reb et moi avons créé la musique tandis que Robin a apporté sa contribution au niveau des textes. J’ai composé quelques refrains ainsi que les paroles de « Divided/United ». Black Swan est un vrai groupe. Nous avons été agréablement surpris par la réaction et l’engouement du public pour ce premier album. C’est très positif.

    Après avoir disparu des radars pendant plusieurs années, Robin McAuley effectue ici un retour fracassant sur le devant de la scène.

    Robin a mis beaucoup d’émotions dans les chansons. Sa voix est authentique et hors norme. Il a par exemple fait de « Divided/United » un morceau littéralement extraordinaire. C’est un artiste sous-estimé selon moi. Beaucoup l’ont classé dans la catégorie « chanteur de ballades » mais il a un registre plus varié comme en témoigne ce disque.

    Qui a proposé le nom de Matt ‘Fu Manchu’ Starr pour compléter le quatuor ?

    (Il rit) C’est Serafino. J’ai trouvé l’idée excellente. Son énorme talent est reconnu depuis longtemps mais nous n’avions jamais collaboré auparavant. Matt est arrivé à la fin de du processus mais il est  monstrueux à la batterie. On le sait moins mais c’est aussi un excellent chanteur. On aimerait jouer ensemble live malheureusement il est difficile de faire coïncider les agendas cette année. Ce serait très amusant connaissant l’humour de Reb en tournée. On pourrait peut-être envisager quelques concerts pour la sortie du deuxième album cependant, je ne peux rien promettre.

    Jeff Pilson

    Les textes de plusieurs chansons sont assez sombres comme notre époque en quelque sorte. 

    Nous ne pouvons pas nous empêcher de songer que la planète aurait besoin d'être secouée (“Shake The World”). Un changement profond des mentalités doit être engagé même si nous voulons rester positifs à la fin de la journée.

    Quels sont tes projets immédiats en tant qu’artiste mais aussi producteur ?

    Je travaille actuellement avec Steven Adler (ex-Guns’N Roses) et son groupe. Nous avons enregistré un titre dont le mixage est en cours. J’espère que cela va déboucher sur un disque complet. Je croise les doigts. J’espère aussi faire deuxième opus avec The End Machine (ex-Dokken). Nous sommes en pleine discussion. Et puis, il n’est pas exclu que je rejoigne Don et George sur l’une ou l’autre date du Dokken-Lynch Mob Tour, si l’opportunité se présentait. En attendant, je me réjouis de vous voir nombreux sur la tournée européenne de Foreigner !   (Note : cette interview a été réalisée avant le confinement)

    Si tu devais choisir une chanson autobiographique, quelle serait-elle ?

    C’est une question tr ès profonde. Laisse-moi  réfléchir ! Probablement « Come Together (Beatles). C’est celle qui me vient directement à l’esprit.

    Le premier instrument tenu entre tes mains quand tu étais jeune ?

    Le violoncelle. J’étais en cinquième primaire. J’avais donc onze ans. Je n’ai appris à jouer de la basse qu’un an plus tard.

    La première chanson interprétée en public ?

    Le premier morceau que j’ai essayé de jouer et de chanter en même temps est « Born To Be Wild » de Steppenwolf. J’étais très enthousiaste au moment d’interpréter ce titre. Je m’en souviens parfaitement.

    Ton album favori. Ton numéro un ultime ?

    Revolver des Beatles suivi de très près par Close To The Edge de Yes et OK Computer de Radiohead. C’est définitivement mon top 3.

     

     Black Swan cover

    BLACK SWAN

    Shake The World

    Frontiers Records 

    Enregistré dans le studio de Jeff Pilson à  LA, Shake The World devrait rallier tous les amateurs de hard rock mélodique à sa cause. Le titre éponyme confirme notre impression qui n’est jamais démentie. Ces types jouent du rock parce qu’ils ne savent et ne veulent faire que ça. Tous les ingrédients sont-là. Guitares acides et nonchalantes, basse ronde, batterie mastodonte et une voix digne des plus grands. Pas de solos à rallonge ici mais un souci de l’efficacité maximale. Les morceaux sont à la fois inspirés et engagés. « Shake the World » parle du réveil des consciences, « Long Road To Nowhere » évoque sans tabou le problème de la drogue et « Johnny Came Marching » décrit le retour à la vie “réelle” d’un soldat. Et puis avec des compositions comme « Big Disaster », « Immortal Souls » ou « The Rock That Rolled Away », Black Swan montre qu’il n’est pas qu’un groupe éphémère qui s’attache à faire revivre le passé (malgré le clin d’œil à Queen sur « Divided/United »). On peut même lui prédire un avenir certain. [Ph. Saintes] 

    Retrouvez cet article dans Classic Obs' #5 (Mars-Avril 2020)

     

     

     

    votre commentaire
  •  BOC - Claasic

    BLUE ÖYSTER CULT

     Cult Classic +  Hard Rock Live Cleveland 2014

    Frontiers Records

    Le label Frontiers s’est donc acoquiné avec une figure de proue du « black-metal » US, dont la  saga a débuté il y a 47 ans, pour proposer une compil et un live en attendant sans doute un nouvel album en 2020. Cult Classic propose douze titres (+ deux instrumentaux) réenregistrés par le line-up actuel.  On trouve ici des versions remastérisées  de « Don’t Fear The Ripper », « Godzilla », « Burnin’ For You » et même « Astronomy » titre déjà retravaillé pour  le cultisme Imaginos (1988).  La seconde sortie est un live pur et dur dont la captation date du 17 octobre 2014. 17 chansons retracent la royale carrière du B.O.C. Si le groupe a connu quelques traversées du désert, il a cependant survécu aux chocs des modes et au poids des âges. Sa musique est toujours aussi fraîche en studio et en public. Il faut dire que Blue Öyster Cult a la coquille aussi solide que le rock ou les guitares d’Eric Bloom et de Buck Dharma, les deux membres historiques. Malgré son grand âge, cette huître-là peut être dégustée sans risque d’intoxication même si vous avez abusé de fruits de mer durant les fêtes. [Ph. Saintes] 

     

     

    votre commentaire
  •  REVOLUTION SAINTS : Rise

    REVOLUTION SAINTS

     Rise

    Frontiers Records

    Avant d’enregistrer un nouvel album et de partir en tournée avec le collectif The Dead Daisies (que vient d’intégrer Glenn Hughes), Doug Aldrich (guitare, ex-Whitesnake) et Deen Castronovo (chant/batterie, ex-Bad English et Journey) ont retrouvé leur camarade Jack Blades (Chant/basse, Night Ranger) et le compositeur/claviériste/producteur italien Alessandro Del Vechio, pour mettre en boîte Rise, troisième enregistrement studio de Revolution Saints. La formation n’a pas changé son fusil d’épaule musicalement. Son hard rock mélodique des années ’80 et ’90 fera toujours mouche grâce à un énergique titre éponyme, le remuant  « When The Heartache Has Gone », le mid-tempo « Price We Pay », les directs « It’s Not The End (It’s Just the Begining) » et « Higher », le très pop « Closer » ou l’irrésistible « Talk To Me » (avec la chanteuse Lunakaire en guest). Les compositions sont bien torchées, les refrains et les soli de guitares efficaces. Cette fois encore Blades et Aldrich se sont impliqués dans l’écriture. A noter que la ballade « Eyes Of A Child » est estampillé Jack Blades – Tommy Shaw (Styx). Ce morceau rappellera indéniablement de bons souvenirs aux fans de l’éphémère projet Damn Yankees. Voilà un disque plaisant et indéniablement accrocheur conçu sans véritable ambition par des musiciens de top niveau. [Ph. Saintes]

     

     

    votre commentaire
  • KXM
    La règle de trois

    KXM revient avec Circle Of Dolls, troisième album du trio Doug Pinnick (King’s X), George Lynch (Dokken, Lynch Mob) et Ray Luzier (Korn). Un melting-pot risqué mais réussi d’une formation qui n’en a que faire d’alibis quelconques. [Entretien avec Doug Pinnick (voix, basse) par Philippe Saintes – photo : Sébastien Paquet]

    KXM promo 2019

    Comment est né Circle Of Dolls ?

    Très spontanément. Nous n’avions pas planifié le style, les sujets, l’ambiance. On a laissé aller notre inspiration une fois réunis tous les trois dans la même pièce. On a enregistré très rapidement dans une excellente ambiance. Il y a eu beaucoup de fous rire. Chris Collier, un ami du groupe, a produit et mixé le disque. Est-ce le meilleur des trois ? Honnêtement, je ne sais pas. Si c’est l’avis des auditeurs et des critiques, alors j’accepte ce jugement. Pour moi, il s’agit juste d’un nouvel album de KXM dans lequel j’ai mis tout mon cœur et toute mon énergie et je suis très satisfait du résultat. Maintenant, j’espère que les auditeurs l’apprécieront autant que moi. Si nous avons l’opportunité de partir en tournée, nous le ferons avec plaisir car nous adorons tous les trois la scène.

    Circle Of Dolls est un manifeste engagé. Le titre « Border » évoque la barrière entre les Etats-Unis et le Mexique.

    Oui, c’est la guerre des mots chez nous à propos de la situation à la Frontière. On parle de réfugiés, de migrants ou de clandestins. C’est sans doute le sujet le plus clivant aux Etats-Unis. Au Royaume-Uni, le Brexit ouvre la porte à une discrimination généralisée. Ce n’est donc guère mieux.  Je ne prétends pas avoir la solution. Après tout, je ne peux aller nulle part sans mon passeport. Toutefois, je suis opposé à la tolérance zéro en matière de politique migratoire. Nous ne devons pas tourner le dos aux gens qui fuient la misère, la guerre ou l’oppression politique. Le moins que l’on puisse faire c’est d’en parler, de sensibiliser ceux qui nous écoutent.

    Dans le livre What You Make It (The Authorized Biography Of Doug Pinnick) on apprend que tu as eu l’opportunité de rejoindre Kansas et même Deep Purple mais tu as finalement préféré poursuivre l’aventure avec King’s X. Pas de regrets ?

    Aucun. Ian Gillan est mon chanteur préféré et j’adore Steve Walsh. J’ai décliné ces opportunités parce que je ne souhaitais pas reproduire ce que ces deux icônes du rock avaient créé et devenir un chanteur de substitution. Je préfère jouer ma musique sans règle, ni contrainte. Je n’étais de toute façon pas disponible car King’s X était très actif à la fin des années ‘80. Peu de groupes peuvent se targuer d’avoir continué avec le line-up d’origine, il y a ZZ Top ou U2. C’est cool de faire partie d’une formation qui a tenu aussi longtemps sans être un gros vendeur,  malgré un parcours semé d’embûches. C’est comme un mariage pour chacun de nous.

    KXM promo 2019 (2)

    King’s X sortira prochainement un nouvel album chez Golden Robot Records. On évoque un retour aux sources…

    Il n’est pas sans rappeler l’atmosphère de nos premiers albums, effectivement. J’ai enregistré avec Jerry (Gaskill, batterie et voix) et Ty (Tabor, guitare et voix) dans les mêmes conditions que Gretchen Goes To Nebraska (1989). Nous avons pris notre temps au niveau des arrangements et travaillé très dur pour ne pas décevoir les fans purs et durs. On a l’espoir d’en faire un « classique » de King’s X. Je ne vais pas m’avancer sur la date de sortie mais ce sera certainement pour 2020.  Nous sommes actuellement en pleine phase de mixage.

    Que peux-tu nous dire sur tes plans futurs ?

    Je pars en tournée cet automne avec Joe Satriani (guitare) et Kenny Aronoff (batterie) dans le cadre de l’Experience Hendrix Tour, aux Etats-Unis. Il n’y a malheureusement pas de dates programmées en Europe pour l’instant. Après, je vais commencer à travailler sur un album solo et ensuite je rejoindrai mes potes Jabo et Scot  Bihlman pour le troisième opus de Grinder Blues. C’est tout pour l’instant (rires). Une fois un album terminé, j’ai vraiment besoin de me mettre au projet suivant et travailler, j’adore ça !  

     

    KXM Circle Of Dolls cover

    KXM

    Circle Of Dolls

    Frontiers Records

    George Lynch nous revient déjà sept mois après la sortie de The End Machine, un album enregistré avec ses anciens acolytes au sein de Dokken (Jeff Pilson et Mick Brown). On retrouve cette fois l’ami George entouré du  chanteur-bassiste Doug Pinnick (Kings X) et du batteur Ray Luzier (Korn) qui sont loin d’être un backing de luxe pour guitar-hero en mal de reconnaissance planétaire. Circle of Dolls est déjà le troisième album de ce trio baptisé KXM. Descente d’intro, basse distordue, gospel rouleau compresseur et riffs à faire virevolter les étoiles : c’est « Mind Swamp ». On retrouve cette fièvre hard-rock funk dans « Big As The Sun » ou « Cold Sweats ».  « Time Flies » est un rock marathon alors que « Lightning » et « Twice » sont des petits joyaux de feeling où la guitare se fait langoureuse. Lynch nous met la gifle avec des solos souvent complexes mais  toujours variés prêts à accueillir les délire vocaux de Pinnick (« Vessel Of Destruction »).  Sur la plage finale « The Border », vous reconnaîtrez quelques belles influences (Beatles, Pink Floyd). Dans l’ensemble, le jeu reste fluide, acéré, ouvert à toute ébauche de groove, avec de bonnes trouvailles au niveau des arrangements. Une vraie réussite. [Ph. Saintes] 

    Retrouvez cet article dans Classic Obs' #4 (octobre-novembre 2019)

     

     

    votre commentaire
  • ANGEL 

     Le retour de l’Art Rock

     

    Figure marquante du label Casablanca dans les années ’70, Angel a été un entertainment band à l’américaine comme Kiss, son partenaire d’écurie dont il fut le vivant contraire. Dans le magazine Best n°112 (novembre 1977), le journaliste Hervé Picart décrivait la formation de Washington DC en ces termes élogieux : « l’archange blanc joue avec la foudre et pratique l’incendie comme un des Beaux-Arts. » Après 20 années de sevrage discographique, les fans d’Angel vont pouvoir se gaver jusqu’à plus soif avec Risen, un 7è album studio qui compte pas moins de 17 titres. Le groupe se produisait pour la toute première fois en Belgique, à l’occasion du Golden Age Rock Festival, à Liège. Nous avons rencontré à cette occasion les deux membres historiques, Frank DiMino (chant) et Punky Meadows (guitare solo) ainsi que leur nouveau complice Danny Farrow (guitare rythmique). [Interview par Philippe Saintes – photos : Phil de Fer]

      

     Angel band 2019

     

    Ce retour était très attendu et espéré par vos fans. Votre nouvel album porte un titre de circonstance, Risen (Résurrection). Pourquoi avoir redonné vie à Angel ?

    Punky : Angel n’a jamais officiellement arrêté. Il y a eu plusieurs changements de personnel au sein de la formation mais les musiciens d’origine ont continué à travailler ensemble occasionnellement et nous sommes restés d’excellents camarades. C’est le business qui a mis notre carrière en veilleuse quand Casablanca Records a été repris par Polygram en 1980. Nous étions tellement désabusés et fatigués par l’industrie musicale, que nous n’avons même pas réclamé les droits de nos chansons. Alors que le sort du groupe était en suspens, on nous demandait tout le temps si on allait se reformer un jour. A vrai dire, les choses se sont faites naturellement. Tout est parti du disque de Frank en 2016 (Old Habits Die Hard), puis de mon album solo (Fallen Angel) l’année suivante. Nous avons chacun joué sur le disque de l’autre. Ensuite, nous sommes partis en tournée avec mon groupe. L’accueil fantastique du public a été le détonateur de la nouvelle vie d’Angel. De là, on a signé avec une maison de disques qui a pignon sur rue, Cleopatra Records, en l’occurrence. La suite logique est ce nouvel album Risen qui sortira le 1er novembre. Il contient seize titres passionnants et une nouvelle version de « Tower », chanson emblématique du premier Lp.

    Frank : Risen est un album varié et divertissant.  Tu as un concentré de notre univers : le hard rock et une musique esthétique, avec un son moderne et une nouvelle énergie. On a toujours joué sur les contrastes. Si tu écoutes  « Stick Like A Glue » et « Under Suspicious » sur l’album White Hot, il y a un abîme, les ambiances sont totalement différentes. Nous avons gardé la même diversité sur Risen.

    Punky : Angel a changé de musique de nombreuses fois parce que nous sommes avant tout des musiciens éclectiques. Sur Risen, il y a des morceaux profonds et d’autres plus fun. Avec certains artistes, tu as l’impression que toutes les chansons sonnent pareilles. Ce n’est pas notre cas. Nous n’avons jamais recherché la facilité.  Frank, Danny et moi avons travaillé très dur même si on n’était pas toujours dans la même pièce. Il ne nous a pas été possible d’enregistrer ensemble en studio car nous sommes trop éloignés les uns des autres géographiquement. On se voyait de temps en temps pour des échanges puis on rentrait à la maison et on s’envoyait la matière par email. Travailler à distance n’a pas empêché la complicité.

     

    Le morceau « 1975 » est-il un clin d’œil à la période dorée du groupe ?

    Punky : Absolument. 1975 est un excellent millésime. David Bowie, Kiss, Aerosmith, Queen ont connu la consécration et Angel sortait son premier opus. Les disques de cette année mémorable vieillissent bien et s'écoutent toujours autant. « 1975 » parle de notre envie de grimper dans la machine à remonter le temps.                                                                                                                                                  Danny : La choriste que l'on entend sur la chanson s'appelle Amy Anderson.

    Les fans de la première heure sont restés fidèles. Pensez-vous que votre public s’est élargi à de nouvelles générations ?

    Punky : Angel a toujours eu pour but de toucher plusieurs générations. Les personnes qui viennent à nos concerts ont grandi avec nous mais il y a aussi des jeunes de 15-16 ans qui trouvent que la musique du groupe est intemporelle. C’est agréable d’avoir des gens qui découvrent aujourd’hui nos premiers albums. 

    Angel - Punky Meadows

    On ne trouve plus que deux membres fondateurs dans le groupe aujourd’hui. Pouvez-vous nous présenter les nouveaux ?

    Danny : Je m’appelle Danny Farrow et je suis le guitariste rythmique. J’ai co-écrit et co-produit l’album solo de  Punky. Steve E. Ojane (Initial Kick) est notre bassiste. Billy « The Beast » Orrico est à la batterie et est connu pour sa participation au tribute band Queen Extravaganza. Enfin, Charly Calv qui a fondé Shotgun Symphony est aux claviers. Il joue également sur le disque de Punky.

    Les autres musiciens du line-up classique (Felix Robinson, Barry Brandt et Gregg Giuffria) ne se sont pas montrés intéressés par ce come-back ?

     

    Frank : Félix n’était pas disponible pour participer à la tournée mondiale. Je suis régulièrement en contact avec Barry  mail il connaît des soucis de santé. Il n’est pas impossible que ce dernier nous rejoigne bien que cela ne soit pas à l’ordre du jour. Nous avons surtout envie d’aller de l’avant avec le line-up actuel.

    Punky : Steve, Bill, Charly et Danny sont incroyablement forts. Ils ont très vite trouvé leur place. Ce groupe est vraiment soudé. Je suis fier d’en faire partie. 

     

    Sur scène, vous avez gardé vos « peintures de guerre », les fameux costumes immaculés…

    En effet. Les personnes qui se rendent à un concert d’Angel veulent voir les costumes blancs et le logo lisible dans les deux sens (à l’endroit et à l’envers). La tournée sur la Côte Est aux Etats-Unis, a déclenché une vague d’enthousiasme. Je conserve également sur scène le micro blanc que j’avais utilisé lors de notre première tournée en 1975.

    Sur la pochette de White Hot, vos personnages (Note : cinq anges martyrs de la Terreur) sont immortalisés devant la cathédrale Notre Dame de Paris qui a été ravagée par les flammes plutôt cette année.

    Punky : Oui, c’est intéressant quand tu écoutes les paroles de Tower : Just A Light from a Tower, Burning on from dusk to dawn (Juste une lumière qui s’élève de la Tour, brûlant du crépuscule à l’aube…). Nous avons eu une sorte de vision prémonitoire. C’est triste bien sûr ! Notre Dame exerce une fascination et une attraction universelle. Nous étions en tournée et j’ai entendu l’information à la radio alors que je me trouvais dans ma voiture. La situation empirait d’heure en heure. J’ai été profondément ému en voyant les images terribles de la Flèche entrain de  s’effondrer. J’ai toujours du mal à comprendre l’origine de cet incendie. 

    Casablanca a déployé les grands moyens en finançant l’une des créations musicales les plus spectaculaires. C’était David Copperfield à la sauce hard rock.

    Frank : Le show était gigantesque en effet. Un logo de douze pieds (+/- 4m) représentant l’archange Gabriel s’élevait dans les airs au son de la musique de Ben-Hur, ouvrait les yeux et s’adressait à la foule (Note : la voix de l’acteur Marvin Miller). Des tours transparentes se matérialisaient puis s’illuminaient laissant apparaître à l’intérieur chacun des membres du groupe. Les illusions étaient bluffantes. A la fin du concert, nous devions nous diriger vers la pochette de l’album installée sur une plateforme qui montait avant de se désintégrer dans un déluge d’artifices, donnant l’illusion que le groupe s’était évaporé. Rien n’était improvisé, nous devions être synchro. Pour cela, nous avons intensément travaillé avec des illusionnistes d’Hollywood. La console digitale que Gregg Giuffria utilisait pour quitter son blockhaus de claviers était aussi quelque chose d’inédit. Il existe malheureusement très peu d’archives sur les premières années du groupe. A l’époque les caméras étaient énormes et tu ne pouvais pas entrer dans une salle de spectacle comme on le fait aujourd’hui avec un smartphone. Même les appareils photos étaient interdits. Ils étaient  retirés lors de la fouille à l'entrée ou dans la salle. Il y a bien quelques images 8mm filmées par des fans qui circulent mais pas vraiment de documents officiels si ce n’est quelques émissions télés. Je sais que Casablanca a enregistré notre show à Cleveland mais personne ne sait où sont passées les bandes. Après ce concert, nous sommes rentrés à Los Angeles pour réaliser des prises de vue dans un studio d’enregistrement pour le film Angel At Midnight mais une fois encore les vidéos sont introuvables.

    ANGEL : DiMino et Farrow

    Le groupe a reçu des critiques positives de la part de la presse spécialisée dans le monde entier, vous avez obtenu le prix très convoité de meilleur groupe de l’année 1976, les salles étaient bondées aux Etats-Unis et pourtant, vous n’avez jamais eu le succès que vous méritiez en terme de vente d’albums faute de passage en radio.

    Frank : Le destin nous a malheureusement pas toujours été favorable. Aujourd’hui encore, je m’interroge sur les raisons de ce rendez-vous manqué. Nous avons tout fait pour nous rapprocher au plus près du soleil du succès. Nous avons évolué d’un rock progressif et sans concession vers un univers plus proche du sacro saint hit parade, sans doute à cause de la pression mise sur nos épaules par notre label, mais je n’ai aucun regret sur le travail accompli durant les six premières années. Si je devais remonter le temps, je ne changerais rien. On a vécu des montagnes russes émotionnelles avec ce tremplin, et l’aboutissement fut au-delà de tout ce que l’on pouvait espérer. Angel a changé notre vie. Le groupe s’est investi à 100% aussi bien dans les répétitions, la composition, le travail en studio, le light-show. Cela reste une aventure inoubliable. L’absence de soutien des radios ne nous a tout simplement pas permis de nous faire une place sous les projecteurs. Nous étions sur un jeune label indépendant qui était surtout lié à la scène disco avec des  artistes comme Donna Summer ou Village People. Aucun groupe de Casablanca Records n’était diffusé sur les chaînes « rock » ni mentionné par les magazines comme Rolling Stones. Seul Creem, un journal musical mensuel moins prestigieux mais surtout moins prétentieux, nous a accordé plusieurs pages.

    Punky : Il n’y avait pas non plus de place pour la musique progressive sur les radios. Fleetwood Mac et Peter Frampton dominaient les ondes avec un rock grand public. Nous n’avons jamais basé nos chansons sur des tubes mais bien sur des albums à l‘instar de Led Zeppelin ou de Kiss qui a dû attendre la ballade « Beth » (1976) pour que les airplays lui soient enfin accordés ainsi que les unes des magazines.

    Frank : Le Web a institué de nouvelles pratiques d’écoute de la musique qui ne passe plus obligatoirement par les radios. Les réseaux sociaux sont devenus des médias de masse. Nous n’avions pas la même accessibilité à l’époque.

     

    Le grand public n’a pas acheté vos albums dans les années ’70 mais Angel est aujourd’hui devenu un groupe culte auprès de la presse et des musiciens.

    Frank : Pour un groupe connu de son vivant, il y a toujours un passage dans un purgatoire et, lorsqu’il est redécouvert, on utilise effectivement le mot culte. La mythologie autour d’Angel et notre attitude scénique ont contribué à cette légende.

    Avez-vous été approché par les producteurs du biopic Spinning Gold qui retrace la carrière de Neil Bogart, le patron de Casablanca ?

    Punky : Non ! Nous ne savons pas si le groupe figure dans le script. Le fils de Bogart a dit avoir acquis les droits d’utilisation de plusieurs grands succès de Kiss, Donna Summer, Village People et Parliament (Note : le groupe de George Clinton) mais il ne nous a pas contactés.  J’espère qu’au moins une de nos chansons figurera sur la bande-originale. Si l’on considère juste nos ventes, n’importe quelle maison de disques nous aurait probablement jetés ! Mas pas Casablanca. Neil préférait continuer avec nous. Il voulait faire d’Angel une machine aussi puissante que Kiss. C’était son obsession. Travailler avec lui ne fut pas de tout repos mais c’était un visionnaire et une personne drôle et loyale qui savait instaurer un climat familial. Nous avons été très accablés par son décès en 1982.

    Angel - Punky Meadows and Steve Ojane

    Le premier album, l’éponyme Angel sorti en 1975 est un mélange de rock « classique » avec des éléments de rock progressif. Pour la première fois, les claviers, du mellotron aux synthés, ont fait leur entrée dans le monde du métal lourd.

    Notre premier disque peut effectivement être classé dans la catégorie rock progressif. On a composé la majorité des morceaux de l’album dans un local de répétition situé à l’étage du Bogeys, à Washington DC. Nous les avons ensuite joués pour la première fois en public dans ce nightclub. Le travail a été intensif. Angel est sans aucun doute l’enregistrement le plus progressif de notre catalogue. Une chanson comme « Long Time » qui dure plus de sept minutes a été diffusée de façon inattendue à la radio. « Tower » et « Rock and Rollers » sont toutefois les plages dont on est le plus fier, elles nous ont permis de réunir une solide base de fans aux Etats-Unis.

    Helluva Band, votre deuxième opus est déjà plus contrasté avec le délicat « Feelings » et aussi plus agressif avec le bouillonnant « Feelin’ Right ». Ce fut d’ailleurs l’un des meilleurs albums de 1976.

    Frank : Comme nous étions en tournée pour soutenir le premier disque, nous avons passé moins de temps en studio. Helluva Band et donc plus viscéral. Nous avons approfondi les trouvailles sur le morceau symphonique « The Fortune ». On voulait en tirer la quintessence et ainsi montrer qu’Angel c’était du sérieux.  Les autres chansons ont certainement souffert de cette recherche de la perfection.  Nous avons travaillé avec la même équipe que pour le premier album.   

    Pour On Earth As It is In Heaven, Casablance a fait appel au génial Eddie Kramer, le célèbre producteur des Electric Lady studios de New York.

    Frank : Eddie est une légende. Il peut se vanter d'avoir travaillé avec les plus grands, les Beatles, les Rolling Stones, Hendrix, Bowie, Led Zep, Clapton, Kiss… A l’origine nous devions réaliser l’album au Record Plant mais il était déjà pris par Stevie Wonder tandis que le studio mobile était loué au même moment. Gary Kellgren, le patron du studio nous a proposé d’occuper son manoir sur les collines d’Hollywood où s’est déroulé le tournage du film le magicien d’Oz. Chaque instrument a été enregistré dans de conditions particulières. Toutes les pièces étaient truffées de micros. Les bases des morceaux ont été capturées dans le salon d’entrée. Nous avons aussi utilisé une petite salle ronde pour la voix de « Telephone Exchange ». La batterie a été installée dans une cuisine au rez-de-chaussée. La méthode était à la fois amusante et très intéressante. Le mixage de « Sur terre comme au paradis » a été réalisé avec Eddie à New York. En dix-huit mois, nous avions mis en boîte trois albums, ce qui est impensable aujourd’hui. 

    J’ai récemment trouvé sur Internet un bootleg de votre concert à Hiroshima, le 7 février 1977. Cette unique tournée au Japon a été un triomphe.

    Punky : On était des dieux vivants là-bas à l’instar des Beatles, de Kiss ou de Cheap Trick. Les gens voulaient nous toucher, arracher une mèche de cheveux ou un vêtement, tout ce qui pouvait leur servir de reliques. Il existe des photos où l’on voit chaque membre escorté par cinq gardes du corps en train de courir à travers des meutes de fans. La foule était hystérique. Je n’avais jamais connu cela auparavant. Nous avons joué deux soirs à guichets fermés au célèbre Budokan, à Tokyo. Cela reste une expérience fascinante et excitante.   

    White Hot marque un virage vers une musique plus pop, plus à la portée des teenagers.

    Frank : Une véritable Angelmania se propageait chez les 16-17 ans à travers les States et notre fan-club a vu le jour (Angel Earth Force) sur le modèle de la Kiss Army.  Il y a donc eu un peu plus de pression de la part de la maison de disque pour écrire des chansons aguichantes, plus accessibles mais nous n’avons pas pour autant perdu de notre fureur. On est parvenu à glisser dans un morceau deux ou trois mélodies qui accrochent  ou une attaque de solo jouée en harmonie. Sur les deux premiers albums, Punky, Gregg et moi avons écrit la majorité des morceaux. Nous étions les derniers à  arriver au studio ou à sortir des répétitions. L’un apportait le riff, un autre la mélodie et le troisième les paroles. Il y avait une extraordinaire complémentarité entre nous trois. Pour White Hot, nous avons commencé à composer séparément. J’ai écrit « Don’t Leave Me Lonely » avec Barry et  d’autres titres avec Punky. Il n’y avait plus nécessairement la combinaison des trois. Par ailleurs, les ingénieurs qui ont collaboré à cet album, nous ont aidé à pollisser notre son, avec succès je pense.

    Angel - Charly Calv

    « Ain’t Gonna Eat Out My Heart Anymore » la reprise des Young Rascals est d’ailleurs entrée dans le top 50 aux USA tandis que le morceau « The Winter Song » a bien marché en Europe et au Japon…

    Frank : « The Winter Song » s’appelait à l’origine « The Christmas Song ». Cette chanson ne devait pas figurer sur l’album. C’était un titre bonus pour les fans et les stations radios pendant la période de Noël mais les responsables de Casablanca ont adoré la chanson et nous ont demandés de l’inclure sur le disque et d’en faire le titre phare pour des raisons commerciales. Trente-six enfants d’un ensemble vocal de Californie nous ont accompagnés en studio. « Better Days » a été retiré de l’album et s’est retrouvé en face B du 45t. Opposé à cette idée au départ, j’ai finalement accepté de réécrire les paroles et de réenregistrer ma voix. Nous avons joué « The Winter Songs » en direct dans l’émission de Dick Clark « American Banstand » pour notre première télé nationale. La version originale se trouve sur une anthologie. Nous avons aussi donné deux chansons pour la bande-originale du teen movie Foxes (Ça plane, les filles !) en 1980 dont le disco « 21st Century Foxes » qui n’a malheureusement pas eu le couronnement planétaire d’ « I Was Made For Loving You » grâce auquel Kiss connut les ivresses du tube de l’été pleine vague disco quelques mois plus tard.

    Au cours de la tournée Heaven & Hell en 1978 qui a été enregistrée pour le double-album live Without A Net, vous avez été impliqué dans une bagarre homérique au Sport Arena de San Diego, le 7 mai 1978. Que s’est-il passé exactement ?

    Punky : Nous étions en plein milieu du concert et l’ambiance était excellente. Frank a alors demandé au public de se rapprocher de la scène. Aussitôt trois à quatre mille adolescents se sont miss debout. Dans cette salle, les règles étaient strictes. Les spectateurs ne pouvaient pas quitter leur siège. Les membres de la sécurité n’ont pas apprécié et ils ont commencé à malmener tous ceux qui leur tombaient sous la main. En se dirigeant vers le devant de la scène, Frankie s’est rendu compte que les vigiles frappaient violemment les kids. Il a demandé à un garde qui s’en prenait à une gamine de 14 ans, de la laisser tranquille. Le type très énervé lui a montré son index et a voulu attraper le pied de micro. Bang ! Frankie lui a envoyé celui-ci en pleine face. Le type a commencé à saigner et est entré dans une rage folle. Une énorme bagarre a éclaté devant la foule. Steve Brooks, un roadie, s’est jeté dans la fosse. J’ai suivi le mouvement tandis que Felix faisaient tournoyer sa basse au-dessus de sa tête. Barry lui a continué à jouer impassiblement. La lumière s’est rallumée au moment où nous sommes remontés sur scène. Personne n’était blessé. Nous avons eu le temps d’interpréter un dernier morceau avant la fermeture totale du courant mais il y avait toujours de l’adrénaline dans la salle. Le public continuait à siffler les vigiles zélés. Le garde qui nous a provoqués a rameuté plusieurs de ses collègues pour une nouvelle baston. Le groupe et les techniciens se sont regroupés autour de Frankie, puis nous nous sommes dirigés vers les loges, escortés par les membres de The Godz, la formation qui ouvrait nos concerts. Cela ne s’invente pas, les Dieux étaient venus à la rescousse des Anges (rires). Frankie est finalement revenu sur scène et il a demandé aux fans de rentrer calmement chez eux. Les esprits se sont aussitôt calmés. Pour les autres concerts de la tournée, un cordon de sécurité a été mis en place par la police pour contenir la foule.

    Sinful marie parfaitement le rock de Styx avec le hard FM des années ’80. Vous avez ouvert la voie à un nombre considérable de groupes, Poison, Warrant, Winger. Ce fut également votre dernier disque pour Casablanca. 

    Frank : Nous avons effectivement créé un pont entre ces deux décennies. Tous ces groupes que tu cites sont excellents. (rires) Le titre à l’origine devait être Bad Publicity. C’était de l’autodérision car l’artwork montrait le groupe faisant la fête avec des filles mais Neil Bogart s’y est opposé. Toutes les premières éditions ont été retirées de la vente et remplacées par une couverture  plus soft. Sur cette dernière, on voit le groupe en tenue de scène. C’était ça l’image d’Angel pour les responsables de Casablanca et pas celle d’une formation qui picole avec des groupies. Nous avons été déçus par ce manque de liberté artistique. Je pense surtout que ce fut une erreur de stratégie puisque contrairement à nos autre disques, Sinful n’a pas atteint le top 100 US alors que sa pochette originale est très recherchée par les collectionneurs.                                                                                                   Danny : Au moment de la sortie de Sinful, Casablanca était entrain de s’écrouler. Il n’y avait plus d’argent pour la promotion de l’album. Il n’y a eu aucun abattage publicitaire alors que ce disque avait un énorme potentiel. Angel était déjà une étoile montante du hard-rock américain mais il aurait pu hausser encore sa côte. Avec l’avènement du clip  et de MTV, le groupe aurait fait un carton, j’en suis convaincu. Il a malheureusement quitté la scène deux ans trop tôt.

    Angel - Billy Orrico

    Aujourd’hui comment analysez-vous In The Beginning, le premier disque sans le line-up original, sorti en 1999 ?

    Frank : J’ai composé les chansons de In The Begining avec Barry (Brandt). Après la séparation du line-up originel, nous avons continué à travailler ensemble, en studio mais aussi sur scène en compagnie d’un ami commun, le guitariste/claviériste Ritchie Marcello. Nous avons hésité à enregistrer ce disque sous le nom d’Angel. J’ai contacté Punky et les autres pour leur expliquer notre projet et ceux-ci se sont montrés très favorables. Avec le recul, nous n’aurions pas dû présenter In The Begining comme un album d’Angel même si Punky et Félix jouent sur quelques morceaux. Sur le plan personnel, je trouve ce disque intéressant.  

    Que pensez-vous du livre On A Wing And A Prayer With Angel, une sorte de biographie du groupe écrite par un ancien membre, Gordon G.G. Gebert ? 

    Punky : Nous n’avons rien à voir avec ce livre.

    Frank : Gordon fut un membre éphémère d’Angel (Note : claviériste de 1999 à 2002). Nous n’avons ni autorisé, ni participé à cet ouvrage. Je ne peux rien te dire sur son contenu car je ne l’ai pas lu.

    Pour conclure, comment s’annonce le futur d’Angel ?

    Punky : Nous comptons revenir en Europe au printemps 2020. On devrait aussi participer à quelques festivals durant l’été. Au mois de février nous jouerons en Australie, ensuite il y aura quelques dates au Japon. C’est un nouveau chapitre dans l’histoire d’Angel qui commence. Je suppose que l’on avisera ensuite mais j’espère que nous ferons encore un album, et ça ne devrait pas prendre 20 ans cette fois. (Rires)

    ANGEL Risen

     ANGEL

    Risen

    Cleopatra Records

    En tant que groupe de hard-rock esthétique, Angel était clairement en avance sur les autres dans les seventies. Des instrumentistes virtuoses, un chanteur de premier plan, des compositions, tout y était ! Pour ce come-back, le groupe n’a pas joué la carte de la modernité même si la proportion accordée aux claviers est nettement plus modérée que durant la période Greg Giuffria. Hard-rock de grande facture (« Slow Down » peut-être rapproché de Led Zep, l’excellent riff de « Punky’s Couch Blues » fait penser à AC/DC et « Tell Me Why » est tout simplement beatlesque), rock mainstream US (« Under The Gun », « Don’t Want You »), ballade bubblegum (« IOU »), morceau mid-tempo (« Turn Around ») et bien sûr hard progressif (« 1975 », « Revolution » ou « My Sanctuary »), Angel ne réécrit pas les tables de la loi du genre, mais s’applique à les mettre en œuvre pour offrir une musique de qualité bien produite avec un Frank DiMino exceptionnel qui sait donner du feeling à chaque chanson. Le flamboyant Punky Meadows, lui, renoue avec le jeu lourd, hérissé et virtuose de la grande époque. Il  n’est plus l’ange déchu, celui  qui avait raté les marches de l’élysée en refusant le poste laissé vacant par Ace Frehley au sein de Kiss en 1982. Plaisant et indéniablement accrocheur, Risen est le disque parfait pour rattraper le temps perdu ou tout simplement découvrir ce groupe culte. [Ph. Saintes]

      

     

    1 commentaire
  • Le documentaire "Bruce Tout Puissant" signé Gorian Delpâture (RTBF) sera diffusé ce vendredi 18 octobre à 21h sur La Trois. 52 minutes de Dickinson, d'Iron Maiden, de littérature, d'avions, de grosses guitares et de bières. Be there or be sorry !

    BRUCE DICKINSON : docu sur La Trois

     

    votre commentaire
  •  G. Bonnet (Alcatrazz)

    Souffrant de maux de dos, Graham Bonnet a joué assis mercredi à Ittres (il sera opéré en décembre), à l’occasion du concert de son groupe Alcatrazz au Zik Zak. A l’issue du show, le claviériste Jimmy Waldo,  seul membre d’origine avec Bonnet, a confirmé qu’Alcatrazz retournerait en studio dès la fin de la tournée européenne pour mettre la touche finale au quatrième album studio (sortie prévue en 2020). Plus tôt cette année, G. Bonnet avait affirmé que des parties de guitare enregistrées récemment par Steve Vai, seraient utilisées pour cet enregistrement.  

     

    Jimmy Waldo (Alcatrazz)

     Photos © Phil de Fer 2019


    votre commentaire
  •  LEE AARON

    Nouveau Règne

     

    Premier album en public pour la chanteuse canadienne. Le CD/DVD  Power, Soul, Rock N' Roll met en valeur la puissance vocale et l’énergie scénique de l'artiste. Dans une forme éblouissante, Lee  a en effet renoué avec le hard accrocheur et le blues rock lors de cette tournée estivale de 2017 en Allemagne. La Metal Queen a récupéré son trône de fer pour le plus grand bonheur de ses loyaux et fidèles sujets. [Entretien avec Lee Aaron (chant) par Philippe Saintes – photos : DR] 

      

     Lee Aaron

     

    As-tu choisi les morceaux en pensant à une rétrospective de ta carrière de rockeuse ?

    Absolument. Je voulais faire une sorte de greatest hits en mélangeant les chansons incontournables comme « Metal Queen » ou « Powerline » avec des titres plus récents et même inédits (Note : la tournée précédait la sortie de l’album Diamond Baby Blues) pour montrer que nous n’étions pas un groupe aux allures nostalgiques. Il existe un DVD live filmé en Suède (2012) et un autre plus ancien capté à Londres (2005) mais il s’agit de mon tout premier album en public. Une société de production allemande (Little-Guitar-Slinger) nous a proposé de réaliser la captation gratuitement à l’occasion du Bang Your Head Festival (2017). Nous nous sommes juste chargés du mixage. Power, Soul, Rock N' Roll a été filmé en très haute définition car aujourd’hui tu peux trouver les performances de tous les artistes sur Internet. En matière d’images, il y a souvent du très mauvais sur les plateformes d’hébergement de vidéos. Jack White et son groupe The Raconteurs ont en exigé qu’aucun smartphone ne soit sorti durant la durée de leur prestation. Un dispositif a même été installé à l’entrée pour mettre sous scellé tous les téléphones. Je trouve que c’est une excellente idée pour empêcher les gens de filmer parce que cela casse la communication entre les musiciens et le public. Certains ne suivent plus le concert en direct mais à travers leur application.

     

    Un mot sur les musiciens qui t’accompagnent en tournée depuis plusieurs années.

    Nous formons un véritable collectif aussi bien en studio que sur scène. C’est mon objectif de garder le même un line-up car la cohésion musicale est indéniable. John Cody est mon batteur depuis près de 20 ans, c’est aussi mon mari et le père des mes enfants. Dave Reimer (bassiste) est avec nous depuis quinze ans et le petit dernier, Sean Kelly (Helix, Four By Fate) a rejoint le groupe, il y a six ans maintenant. Nous recherchions à l’époque un soliste ayant l’esprit d’équipe. Cela fait partie de l’ADN de Sean qui est non seulement un brillant guitariste mais aussi un excellent compositeur.

    Lee Aaron band

    Tu joues désormais de la guitare rythmique sur scène.

     

    Oui, j’utilise une Stratocaster en tournée. Je ne suis pas une grande guitariste mais j’ai une bonne perception du rythme et un bon timing. Je compose d’ailleurs à la guitare. Après la tournée de 2017 en Europe, nous avons décidé de nous passer du claviériste. J’en ai profité pour jouer de la guitare rythmique. Je m’installe aussi au piano sur « Barely Holdin On ». Je trouve que le groupe sonne mieux dans une formule à quatre. 

     

    Es-tu satisfaite des ventes de Diamond Baby Blues (2018) malgré l’absence de diffusion sur les radios musicales ?

     

    Je ne sais pas comment cela se passe chez vous en Europe mais ici en Amérique du Nord, les artistes qui ont une carrière de plus de 20 ans ne sont plus diffusés. Vu de l'extérieur, ça peut sembler grotesque. Le dernier album de Bryan Adams et celui de Bruce Springsteen ne se sont pas retrouvés dans les playlists, alors tu penses bien, les nouvelles chansons de Lee Aaron n’ont aucune chance d’être programmées sur les stations commerciales. Aujourd’hui vous devez créer vos propres vidéos, profiter de YouTube ou des services de musique en streaming comme Spotify pour la diffusion. Le format physique de Fire And Gasoline s’est relativement bien vendu et selon la direction du label (Metalville Records) nous avons vendu deux fois plus de copies de Diamond Baby Blues en Europe. Je ne peux donc pas me plaindre.

    Lee aaron2

     

    Peux-tu nous donner des informations sur le prochain album studio.

     

    Nous avons réalisé une séance de compositions au mois d’avril à Vancouver. Cet enregistrement est différent. Pour les deux albums précédents, on s’envoyait des fichiers par e-mail. Cette fois, nous avons travaillé à « l’ancienne » en studio. Pendant que le groupe se lançait dans une séance de jam, je prenais le micro et commençais à chanter. C’était vraiment la musique qui nous dirigeait. Je veux que cet album dégage l’énergie des premiers disques de Led Zeppelin ou d’Appetite For Destruction des Guns N 'Roses, avec un son brut et live. Il n’a pas encore de titre mais je peux déjà te parler de quelques chansons.  « Devil’s Gold » évoque le côté matérialiste gens et notamment le côté addictif des réseaux sociaux sur de nombreux jeunes tandis que « Great Big Love » raconte l’histoire de deux personnes que tout oppose mais qui s’aiment. L’amour ne s’arrête pas aux différences, c’est en substance le message. Ma fille de quinze ans, que l’on peut voir dans les vidéos de « Tom Boy » et « American High », a une magnifique voix. Je souhaite l’inviter sur ce disque dont la sortie est prévue en 2020.

     

    Il paraît que toi et ton mai John, possédez une impressionnante collection de vinyles et de disques compacts.

     

    Oui, on a plus d’un quart de million de vinyles à la maison et environ cinquante mille CD. C’est vraiment dingue. (Rires)

      Lee Aaron Live

     LEE AARON

     Power, Soul and Rock'n'Roll

    Metalville Records

    Lee Aaron, toujours aussi splendide à 57 ans, publie un premier album live et nous procure beaucoup de plaisir. Au-delà des hymnes emblématiques comme « Metal Queen » et « Powerline », la chanteuse canadienne nous fait découvrir des morceaux des deux derniers albums qui sont tout aussi intéressants à commencer par le tonique « Tom Boy » (une chanson ironique sur les femmes s’inquiétant de leur âge et de leur aspect)  ou le bluesy « Diamond Baby », déjà remarquable en studio mais qui prend ici une toute autre dimension. Si on apprécie la poignante ballade « Barely Holdin On », le sommet du show reste la version époustouflante de « Mistreated » (Deep Purple) ou encore la reprise de Koko Taylor « I’m A Woman » - un pastiche du « I’m A Man » de Muddy Waters, sur lequel Lee sort les griffes. Derrière sa voix énergique, les musiciens font feu de tout bois si bien que les concerts donnés en plein air devant 20.000 personnes à Balingen et dans un club bondé à Nuremberg, explosent en une énergie brut. La reine du rock’n’roll est de retour ! En voici la preuve… [Ph. Saintes]   

     

    Retrouvez cet article dans Classic Obs' #4 (octobre-novembre 2019)

     

    votre commentaire
  • Classic Obs' #3

    Découvrez Metal Obs’ en version Classique !

     Avec Classic Obs’, on vous fait vivre et revivre l’authenticité des groupes mythiques et découvrir toute la modernité du heavy metal actuel ! 

    CLASSIC OBS’ #3

     À lire et à télécharger ici !


    votre commentaire
  •  

     

    Lire la suite...


    votre commentaire



    Suivre le flux RSS des articles
    Suivre le flux RSS des commentaires