• Retour de l’archange blanc qui joue avec la foudre et pratique l’incendie comme un des Beaux-Arts !

    Une interview réalisée à Liège à l'occasion du Golden Age Rock Festival

     

     

     

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  •    IAN GILLAN

     Le feu sacré

    En vue de la sortie de « Contractual Obligation » trois albums live avec le Don Airey Band et orchestre philarmonique enregistrés en 2016, j’ai eu l’honneur de m’entretenir avec Ian Gillan, l’un des monstres sacrés du hard-rock, Hellzine ayant apparemment une cote excellente auprès du label ! J’attends l’appel téléphonique avec une certaine appréhension mais l’entretien commence bien. Lorsque je lui fais part de mon sentiment sur ce projet musical, mon interlocuteur me signale que le café matinal qu’il est entrain de boire va passer plus facilement. Une touche de bonne humeur qui nous permet de plonger dans le vif du sujet. [Entretien avec Ian Gillan (chant) par Philippe Saintes – photos : Deadly Pix]

     IAN GILLAN

    Ian, « Contractual Obligation » est une collection de trois “live”. Il n’est pas inintéressant de se procurer les différentes versions  car c’est bien connu, tu ne chantes jamais deux fois de la même façon

    Je me souviens d’une conversation avec le regretté Luciano Pavarotti dans laquelle il m’a dit : ‘Je t’ai vu interpréter « Smoke On The Water » à six reprises et à chaque fois tu chantais différemment. Parfois la voix est plus claire, parfois plus grave. Je t’envie car si je fais cela, le public me crucifierait. Je suis obligé de chanteur de la même façon chaque soir à l’opéra.’ J’ai cette liberté. J’aime interpréter une chanson de façon spontanée, selon l’inspiration et le feeling du moment même si cela ne se remarque pas nécessairement en concert. C’est comme raconter une même histoire de 99 manières différentes dans un bistro.

    Tu as choisi les morceaux en pensant à une rétrospective de ta carrière ?

    Je dirais plutôt que c’est un miroir de ma personnalité.  J’aime le blues, la soul-music, la pop, le rock, le jazz, le classique. On retrouve ici toutes les sensations musicales qui me fascinent. J’ai analysé mon répertoire et sélectionné les titres qui, tout en plaisant aux fans, devaient sonner parfaitement en concert avec un orchestre. Des compositions moins connues comme « Razzle Dazzle » et « Anya » me plaisent tout comme « Ain't No More Cane On The Brazos », une chanson importante pour moi. Si j’avais écouté mon cœur, on aurait fait un show de dix heures (rires).

    Parmi les moments forts du concert, il y a effectivement cette magnifique interprétation de « Ain't No More Cane On The Brazos », un titre toujours d’actualité puisqu’il parle de migration.

    « Ain't No More Cane On The Brazos » fait effectivement référence à la grande migration d’anciens esclaves qui ont traversé le Mississippi pour se rendre à Chicago. Ils interprétaient des chants de travail (work songs) pour se donner du courage dans les champs de coton. C’était aussi un moyen de communiquer entre-eux discrètement avec des messages codés sans que le maître comprenne ou se doute de quelque chose. Il reste encore malheureusement aujourd’hui des préjugés raciaux. Lors d’une tournée aux Etats-Unis dans les années 90 dans la région de la côte du Golfe, j’ai vu un couple mixte, un homme noir et sa compagne blanche, se faire conspuer par des passants. Le pire est que la police a demandé à ce jeune couple de dégager car il… troublait l’ordre public. C’était vraiment choquant !

    On trouve également dans la playlist l’instrumental « Difficult To Cure» de Rainbow, le groupe formé par le guitariste Ritchie Blackmore après son départ de Deep Purple. Un joli clin d’œil car malgré les conflits votre association fut extraordinaire.

    En effet ! Il a été mon compagnon de chambre en tournée lorsque j’ai rejoins le groupe en 1969. Nous nous sommes payés des parties de rigolades, nous nous encouragions mutuellement mais Ritchie est quelqu’un de lunatique. Avec lui, il y avait des jours avec et des jours sans. Cela fait partie de son caractère. Si les gens ne retiennent que les accrochages, nous avons réussi à tirer le meilleur de notre collaboration. Même si je doute que nous reparlions un jour, je suis le premier à dire qu’il nous a sorti de grandes choses et il m’arrivait d’être émerveillé. C’est un grand guitariste.

    Pour cette tournée symphonique, tu as pu compter sur le talent de Simon McBride, un virtuose dans la lignée des guitaristes de blues-rock irlandais, je pense  à Gary Moore et Rory Gallagher.

    Tout à fait d’accord. Pour moi, Il a de l’ADN de Rory Gallagher et de Jeff Beck. Simon maîtrise le rythme, le phrasé et la dynamique de façon incroyable. Il fait partie de cette catégorie de solistes dont on reconnaît la signature dès les premières notes. Le riff de « Hang Me Out To Dry »  qu’il joue en public est une merveille. C’est Leslie West qui avait créé celui-ci pour l’album « Toolbox » (1992). Je n’avais jamais entendu jusqu’ici quelqu’un capable de le reproduire parfaitement. Simon lui y est parvenu avec brio. Nous nous sommes revus il y a quelques mois et j’espère très vite retravailler avec lui.  

    Don Airey (v. Hellzine n° 14) t’a accompagné sur cette tournée. Qu’est-ce que tu apprécies le plus chez lui.

    La fidélité qui est la base de son éducation et de sa philosophie. Il n’y a jamais de surprise avec Don. Il ne joue jamais en demi-teinte. Ces prestations sont toujours cinq étoiles. Il domine son sujet chaque soir. Je le compare à un grand joueur de football avec beaucoup de technique et de style. Son groupe est composée d’excellents musiciens.  Il y a quelques semaines, j’ai assisté avec Ian Paice à un concert du Laurence Cottle Big Band au Ronnie Scott’s jazz club à Soho. Laurence (basse) était l’élément moteur sur scène avec beaucoup de présence. Il a chaque fois une approche différente des chansons, que ce soit des titres de Deep Purple ou de Ian Gillan. Il évolue dans un style qui est plus jazz que rock, et cette ouverture d’esprit a influencé notre performance collective lors des concerts donnés en 2016. N’importe quel chanteur serait heureux de se produire avec le groupe de Don Airey.

    Tu  as interprète « You’re Gonna Ruin Me Baby » en duo avec ta fille Grace lors de ces concerts. A n'en point douter, la relève est assurée !

    Nous avions déjà chanté ensemble dans des pubs ou des évènements organisés dans notre village mais jamais sur une grande scène. C’était génial. Elle a fredonné pour la première fois cette chanson à l’âge de 5 ans. Grace a aujourd’hui son propre groupe (Psychadelephant), mais tirer son épingle du jeu dans un secteur musical en crise, reste un parcours du combattant.

    IAN GILLAN (2)

     « Si j’avais écouté mon cœur, on aurait fait un show de dix heures » 

     Il n’est pas étonnant que ton choix se soit porté sur les pays de l’Est puisque tu as régulièrement tourné dans l’ancienne Union Soviétique durant ta carrière solo.

    La tourné « Naked Thunder », entreprise en 1990, un peu après la chute du Mur, fut un voyage épique. Nous avons débuté à Saint-Pétersbourg et terminé à Makhatchkala au Daghestan. Nous sommes passés par la Géorgie et la Tchétchénie avec notamment trois soirs d’affilées au stade de Grozny. Des villageois, descendus des montagnes pour venir nous entendre jouer, se sont installés autour d'un feu de camp avec des oies, des poulets et des chiens. C’était assez surréaliste. Ils n’avaient jamais écouté de musique occidentale et encore moins du rock. Le sourire de ces braves gens a été une belle leçon d’humilité. Plus tard, j’ai été reçu par Dmitry Medvedev qui occupait le poste de président de la fédération de Russie. Ce dernier m’a révélé qu’il avait été DJ dans son école de Léningrad. Avec l’aval de la jeunesse communiste et de son professeur, il a pu traduire en classe les paroles des chansons de l’album « In Rock », les analyser et les commenter. C’est ainsi qu’il a appris à parler anglais. Il a saisi le sens du message derrière le titre « Child In Time » qui est librement inspiré de la guerre froide. ‘On voyait les occidentaux comme des ennemis, des gens effrayants mais j’ai compris qu’il n’y avait pas de différences, les êtres humains veulent tous les mêmes choses et ont les mêmes espoirs.’ Je n’oublierai jamais ces paroles. Dmitry Medvedev est aujourd’hui l’un de nos plus grands fans. La culture n’a pas de frontière, elle rapproche les peuples.

    Ce n’est bien sûr pas la première fois que tu joues en compagnie d’un orchestre symphonique. On se souvient du fameux « Concerto pour groupe et orchestre », au Royal Albert Hall de Londres, en 1969. Ce devait être à la fois excitant et impressionnant pour le jeune chanteur que tu étais à l’époque ?  

    Je ne me rappelle pas avoir été impressionne. Néanmoins, ce fut un véritable défi car le climat était hostile durant les répétitions. Le groupe respectait évidemment le nom et la réputation de l’orchestre symphonique de Londres mais plusieurs de ses musiciens ne nous appréciaient guère. Deep Purple n’était pas encore très connu à cette époque et ils semblaient embarrassés de jouer avec une bande de  jeunes chevelus. L'autorité du chef d’orchestre (Malcolm Arnold) a néanmoins permis de remettre de l'ordre dans les rangs. Certains membres de l’orchestre étaient toutefois dissipés pendant la performance, si tu écoutes bien, tu peux entendre des erreurs et fausses notes mais je n’y ai pas prêté attention sur le moment. Ce n’est que trente ans plus tard, en 1999, quand nous avons réinterprété ce concerto que j’ai réalisé  l’extraordinaire œuvre musicale composée par Jon Lord. Elle est basée sous le signe du conflit, de la confrontation. Grâce à cette passe d’arme John a réussi à tracer des ponts entre deux genres musicaux. Deep Purple a été le premier à le faire. Ce fut compliqué car nous étions en pleine répétition de « In Rock », un album de hard rock. Ritchie Blackmore et Ian Paice n’ont pas pris du plaisir mais cette expérience a tout de même été bénéfique sur le plan médiatique. Personnellement, je retiens que mon grand-père, le prototype du gentleman anglais et ancien chanteur d’opéra, a assisté à ma prestation au Royal Albert Hall. Il était le plus heureux des hommes ce soir-là.

    Il y a également 50 ans, l’homme marchait pour la première fois sur la lune. As-tu regardé cet évènement en direct ? 

    Oui absolument. Je me souviens de ce jour comme si c'était hier. Cela peut paraître démodé aujourd’hui mais à l’époque on appelait cela l’ère spatiale. Ce fut un pas de géant technologique. Ceux qui possèdent aujourd’hui un iPhone, ne peuvent s’imaginer que l'informatique qui a permis l'alunissage de Neil Armstrong et de Buzz Aldrin a entraîné de nombreuses innovations. La conquête de la lune a été une vraie source d'inspiration pour ma génération. J’ai visité pas plus tard qu’hier une exposition sur la mission Apollo 11, c’était fantastique.

    Deep Purple se porte à merveille en 2019. Je ne vous vois pas ranger les guitares et le micro. Envisagez-vous de retourner tous les cinq en studio ?

    De toi à moi, je ne serais pas vraiment surpris. Pour ce qui est du futur, je vais mettre un frein aux  tournées après nos dates aux Etats-Unis cet été. Je viens de quitter les studios de Nashville et Toronto où j’ai travaillé sur trois projets différents. J’ai donc besoin d’un peu de repos. Je vais mettre à profit ce temps libre pour composer. Je pense que le prochain disque de Purple sortira dans un an et évidemment il y aura une tournée pour l’accompagner bien que pour l’instant, je ne peux pas te le confirmer car nous n’en avons pas encore vraiment parlé entre nous.

    Gillan Moscou

    Gillan - St Petersbourg

    Gillan - varsovie

     IAN GILLAN

    Contractual Obligation»

    Frontiers Records

    De sa dernière tournée dans la partie est de l’Europe en compagnie du groupe de Don Airey et de différents orchestres philharmoniques, Ian Gillan propose un triple live. Intégralement filmé au Kremlin Palace, le show de Moscou est disponible en Blu-ray, celui de Varsovie en disque compact tandis que le concert donné à Saint-Pétersbourg a été immortalisé sur vinyle. Une série labellisée avec humour « Contractual Obligation ». Nous sommes rassurés sur le contenu dès les premières arpèges de « Hang Me Out To Dry ». Tous les acteurs sont à la hauteur, à commencer par le boss dont les performances vocales restent d’un haut niveau. Don Airey s’amuse derrière ses claviers, Laurence Cottle donne du groove à l’ensemble et Simon McBride irradie sur scène sans en faire des tonnes. L’interaction entre le groupe et l’orchestre tient souvent de la perfection (« Lazy », « Anya », « Ain't No More Cane On The Brazos », « When A Blind Man Cries »). Outre des classiques de Deep Purple et quelques morceaux du répertoire du chanteur anglais, on note dans la setlist l’adaptation de l’hymne à la joie de Beethoven (« Difficult To Cure ») et la reprise d’un standard du blues « You’re Gonna Ruin Me Baby » que Gillan interprète en duo avec sa fille, Grace. Sur « A Day Late 'n' A Dollar Short », Ian rend hommage à son ancien complice au sein de Repo Depo, le batteur Lenny Haze, décédé un peu avant cette tournée (2016). Les concerts se terminent sur deux titres phares « Hush » et « Black Night » durant lesquels le public de 7 à 77 se déchaîne. Une belle leçon technique et émotionnelle. [Ph. Saintes] 

     

     

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  • Sur scène, Europe a rarement déçu et cette prestation au Lokerse Feesten dimanche est là pour témoigner de la bonne santé du groupe qui a su faire apprécier d’entrée de jeu ses dernières compositions (« Walk The Earth » et « The Siege »). Joey Tempest (55 ans), bouillonnant d’énergie fut incontestablement la vedette de la soirée. En revanche, le guitariste John Norum est aussi amusant en live que Jack Nicholson dans Shining. « Carrie » a fait fondre les cœurs et les plastiques des briquets alors que « Supertitious », « Cherokee » et l’hymne « The Final Countdown » ont été repris à tue-tête par la foule. Merci aux cinq artistes scandinaves pour cet excellent concert malheureusement trop court (1h).

    Europe : Lokerse Feesten 2019 (4)

    Europe : Lokerse Feesten 2019 (2)

    Europe : Lokerse Feesten 2019 (3)

     

    A l’instar d'Iron Maiden, Scorpions est l’un des derniers géants capables de faire l’unanimité auprès de la population métallique, et ce au mépris de toutes les divisions. Toutefois, le groupe de Rudolf Schenker semble souffrir d’un manque de renouvellement. Ce show est effet un "copier-coller" de celui donné à Forest National le 4 avril 2018. Il n’en reste pas moins que les Allemands ont sorti l'artillerie lourde et que les fans ont pu se régaler sur les incontournables « Make It Real », « Holidays », « The Zoo », « Coast to Coast », « Send Me An Angel », « Wind of Change », « Blackout », « Big City Nights » et en rappel, « Still Loving You « et « Rock You Like a Hurricane »…

     Scorpions - Lokerse Feesten 2019

    Scorpions - Lokerse Feesten 2019 (2)

    Scorpions - Lokerse Feesten 2019 (3)

    Scorpions - Lokerse Feesten 2019 (4)

    Scorpions - Lokerse Feesten 2019 (5)

    Texte et Photos © Phil de Fer 2019

     

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  •  THE END MACHINE

     Les copains d’abord

    The End Machine est composé de trois membres de la formation américaine Dokken : George ‘Mr. Scary’ Lynch, Jeff Pilson, et ‘Wild’Mick Brown. Le chant étant assuré par un ami de la ‘famille’, Robert Mason (Warrant). Ce spin-off de Dokken méritait donc bien l’attention de Metal Obs’. [Entretien avec Jeff Pilson (basse) par Philippe Saintes  - photos : Alex Solca et Kevin Baldes]

    THE END MACHINE

    Jeff, The End Machine mélange retour aux sources et modernité. Il est d’ailleurs bien difficile de ne pas succomber à la fraîcheur qui se dégage de ce disque.

    Merci. Il est vrai que certaines chansons se rapprochent de nos racines mais c’est quelque chose de naturel et non de calculé. D’autant que nous ne sommes pas du genre à regarder en arrière. Il y a surtout des titres très actuels sur cet album. Il ne répond finalement qu’à nos propres envies et notre propre intuition du moment. Le secret de sa fraîcheur ? Les musiciens se connaissent depuis longtemps et ça se ressent.

     

    Robert Mason est votre chanteur mais Michael Sweet (Stryper) n’avait-il pas été pressenti pour ce poste à l’origine ?

    Nous avions pensé à lui pour une tournée avec le projet Tooth & Nail en 2012. C’est un excellent chanteur mais aussi un très bon guitariste. Michael aurait été la personne idéale pour nous renforcer en concert et interpréter les chansons de Dokken. La tournée n’a cependant pas eu lieu. Entre-temps, Michael et George ont sorti deux albums sous le nom Sweet & Lynch. Cela n’aurait eu aucun sens de prendre Michael car le but était de proposer quelque chose de nouveau. Je l’adore et j’espère que nous aurons l’occasion de travailler ensemble dans le futur mais c’est Robert qui a été choisi. Ce dernier n’est pas un inconnu puisqu’il a évolué au sein de Lynch Mob et a chanté sur « It’s Not Love », un titre de l’album de Slave To The Empire de T&N.

    Comment envisages-tu l’avenir de The End Machine ?

    Honnêtement c’est très compliqué de se projeter dans l’avenir. Robert joue dans Warrant, George a des projets avec Lynch Mob et je serai en tournée avec Foreigner jusqu’en novembre. En avril dernier, nous avons donné trois concerts sur la Côte Ouest sans Mick. Officiellement parce qu’il devait se produire la même semaine avec Dokken. En réalité, il n’a plus le feu sacré pour jouer simultanément dans deux groupes. Un jour, j’ai pris l’avion à Mexico où je m’étais produit avec Foreigner afin de me rendre à une répétition de The End Machine à Los Angeles.  C’est épuisant physiquement mais je prends du plaisir. Je ne peux toutefois par exiger la même chose de Mick. Il a été remplacé sur ces trois dates par Will Hunt (Evanescence, Black Label Socienty, Gus G.). On verra bien ce qui va se passer mais je suis convaincu qu’ il y aura un deuxième album de The End Machine car l’accueil du premier a été très positif et le label nous soutient à 100%.

     THE END MACHINE, promo

    Tu a également travaillé sur un nouveau projet pour le label Frontiers en compagnie de Reb Beach (Whitesnake, Winger), Robin McAuley (MSG) et Matt Starr (MR. Big, Ace Frehley). Que peux-tu nous en dire ?

    L’album sortira à la fin de l’année. Reb et moi avons composé onze chansons en onze jours. Ce sont des morceaux solides et pleins d’énergie. Robin n’a jamais aussi bien chanté. Je suis impatient de lire les commentaires. Pour l’instant, je ne suis pas autorisé à te dévoiler le nom du groupe parce que le label a imposé un embargo. Désolé !

    Tu es un ingénieur du son, un producteur, un musicien et un compositeur. Quelle facette de ton métier apprécies-tu le plus ?

    Je donne toujours le meilleur de moi-même dans tout ce que j’entreprends. J'ai eu la chance d'avoir de multiples rôles au cours de mon parcours musical mais comme je suis souvent sur la route pour le moment, mon job de producteur est celui qui me procure le plus de satisfaction. J’aime me retrouver dans mon propre studio.

    Tu as produit récemment le deuxième album de Last In Line dont tu es devenu en quelque sorte le 5è membre… 

    Les musiciens de Last In Line sont des gens ouverts et humbles. Ce qui me touche c'est surtout l'énergie et les émotions que dégagent Vinny Appice, Vivian Campbell, Phil Soussan et Andrew Freeman sur scène mais aussi en studio. C’est facile de travailler avec de tels professionnels parce que nous avons une vision similaire de la musique. Ma contribution principale consiste à amener l’artiste à donner le meilleur de lui-même. Je peux m’adapter tant que cela reste dans mon univers. J’adore sincèrement les gars de Last In Line. Ils sont merveilleux. Leur deuxième album est certainement mon favori.

    Tu as rejoint Foreigner il y a tout juste quinze ans (2004). Le groupe n’est-il pas impatient de retourner en studio et d'enregistrer un nouvel album?

    Foreigner a fêté ses 40 ans en sortant un double CD Forty Hits From Forty Years sur lequel on trouve un inédit « Give My Life For Love ». Nous avons ensuite réenregistré la chanson « The Flame Still Burns » que Mick (Jones) avait composé pour le film Still Crazy en 1998. Nous continuerons à proposer occasionnellement de nouveaux morceaux mais je ne nous vois pas interrompre notre tournée pour retourner en studio et enregistrer un album complet. Nous n’avons tout simplement pas le temps.

    THE END MACHINE, Jeff Pilson

    Toi qui a joué dans le film culte Rock Star, qu’as-tu pensé du biopic dédié à Mötley Crüe The Dirt ?

    Ce n’est pas un chef-d’œuvre mais ce n’est pas la faute de Mötley Crüe (il rit). C’est difficile de juger quand tu connais les personnes. Le comédien qui joue le rôle de Tommy Lee (Machine Gun Kelly) est excellent. Son interprétation est remarquable. Celui qui campe Niki Sixx est également crédible. En revanche, je n’ai pas reconnu Vince Neil et encore moins Mick Mars. Le jeu d’acteur est un peu bancal. Cependant, l’histoire est passionnante et j’ai beaucoup de respect pour les « Saints de Los Angeles ». Ils ont donné au rock une place plus grande qu’il n’en avait. Chapeau pour ce qu’ils ont accompli. Mötley Crüe mérite bien une consécration au Rock’n’Roll Hall of Fame. 

    The Dirt montre que le slogan « sex, drugs and rock’n’roll » n’était pas une légende urbaine dans les années ‘80. Tu as aussi dû connaître des histoires étonnantes avec Dokken ?

    (Il rit). Oh oui beaucoup. J’ai commis pas mal d’excès mais le meilleur souvenir remonte à mon 30è anniversaire.  Dokken se produisait à Vancouver et à la fin de la soirée, on a évidemment décidé de faire la bringue. Je ne bois plus mais à l’époque quand je faisais la tournée des bars avec les copains, j’étais complètement bourré. Le propriétaire d’un club a commencé à m’insulter en insinuant que j’avais tripoté des filles. Est-ce que j’avais flirté ? Absolument mais je n’ai pas eu de geste déplacé envers qui que ce soit. Soudain, quatre types me sont tombés dessus et m’ont traîné vers la sortie. Ce n’est pas une histoire spécialement glorieuse mais j’en rigole aujourd’hui car elle s’est bien terminée. Don Dokken, George et Mick qui avaient suivi la scène, se sont précipités sur les quatre types et le propriétaire. La bagarre a tourné à notre avantage. La presse a souvent parlé des engeulades et des conflits internes chez Dokken, pourtant cette soirée a été ma plus belle expérience de camaraderie. 

    Si tu devais résumer ta carrière en cinq chansons. Quels titres choisirais-tu ?

    Pour commencer « Burn The Truth », mon morceau préféré de The End Machine. J’en suis très fier. Ensuite, « It’s Not Love » de Dokken, une très bonne chanson mélodique qui résiste bien à l’épreuve du temps mais aussi l’emblématique « Dream Warriors ». Nous étions en pleine tournée et le producteur de Nightmare On Elm Street 3 (« Les Griffes du Cauchemar ») est venu nous proposer ce titre, pour lequel nous devions composer un morceau. Ça a été l’un des succès de l’été aux States en 1987. Dokken qui participé à la carrière de Freddy Kruger mérite bien deux titres dans ce top 5 (rires). J’ajouterai « Ever Higher » une plage électro-acoustique de l’album Wicked-Underground (Lynch-Pilson) que les gens ne connaissent pas beaucoup. On y trouve pourtant d’excellentes compositions. Mon dernier choix se porte sur « Back From The Dead » titre éponyme de l’album d’Adler sorti en 2012. Collaborer avec Steven Adler (ex-Guns N’ Roses) fut une chouette expérience. Steven est selon moi un batteur sous-estimé. Quand il tient le groove, il dégage une énergie unique. C’est aussi l’un de mes meilleurs amis.

    Quel a été ton premier concert ? 

    Le M’Woky Pop Fest au Memorial County Stadium de Milwaukee, en juin 1970, avec les Beach Boys, Tommy Row, les Supremes, Andy Kim et le groupe Ides Of March. Un événement fabuleux !

    Et ton premier disque vinyle ?

    Meet The Beatles. J’ai été complètement soufflé quand j’ai entendu pour la première fois les Beatles. Et je continue à les écouter encore maintenant car on découvre toujours quelque chose de nouveau dans leur travail.

     THE END MACHINE, cover

     THE END MACHINE

    The End Machine

    Frontiers Records 

    The End Machine est un spin-off de Dokken, puisque composé de trois membres de la formation américaine : George ‘Mr. Scary’ Lynch (guitare), Jeff Pilson (basse) et ‘Wild’Mick Brown (batterie). Il fait également suite au projet musical T&N. Le chant ici est assuré par un ami de la ‘famille’, Robert Mason (Warrant) actif autrefois au sein de Lynch Mob. Alors que trouve-t-on sous le capot de cette machine ? Un moteur à explosion surgénéré qui délivre au quart de tour des guitares vitaminées, des lignes de basse dévastatrices et une batterie graissée à la moelle de buffle. Je ne vous livrerai pas l’album en pièces détachées. Je signalerai juste que l’on trouve des titres accrocheurs (« Leap Of Faith », « Hold Me Down ») , du gros calibres (« Bulletproof » et « Ride It »), mais aussi un titre atmosphérique (« Burn The Truth ») qui navigue entre le Dog Eat Dog de Warrant et le style mi-blues de Lynch Mob. Mason est en état de grâce sur cet album, Pilson impressionne avec son jeu de basse percutant, Brown cogne toujours aussi fort tandis que Lynch reste ce grand acrobate du solo pirouette et incisif. Tempo cul de plomb, déluge électrique, riffs au napalm et chant divin, tout est au top niveau sur ce disque qui en laissera plus d’un sur le bitume. [Ph. Saintes] 

     


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  • JIM PETERIK & WORLD STAGE

     L’empreinte du tigre

    Le nom de Jim Peterik (ex-Survivor) évoque immanquablement un nombre de mélodies gravées dans la mémoire collective universelle. C’est aussi paradoxalement l’un des musiciens les plus mal connus alors qu’il a aligné les hits planétaires comme « Vehicle », « Eye Of The Tiger » ou « Burning Heart ». Cinquante-cinq ans après ses premiers balbutiements musicaux, ‘Jimbo’ continue à produire des disques inspirés tout en restant un songwriter de génie. Si son supergroupe World Stage a fait l’actualité au printemps, l’homme à la chevelure pourpre termine déjà un nouvel album avec le groupe de funk rock The Ides Of March.[Entretien avec David Coverdale (chant) par Philippe Saintes  - photos : Kristie Mayfair Schram]

    Jim, Winds Of Change est le 2è album studio du collectif World Stage. Il fait suite au Vol. 1  sorti en 2012. On retrouve une nouvelle fois le concept des duos avec des monstres sacrés du hard mélodique.

    World Stage est avant tout un projet « live ». Pour cet album, j’ai souhaité capturer avec mes compagnons de route, notre héritage musical. Prenons l’exemple de Mike Reno [chanteur de Loverboy] avec lequel j’ai écrit « Without A Bullet Being Fired » après un concert de World Stage. Nous n’avions jamais composé ensemble auparavant. Survivor et son groupe Loverboy étaient représentatifs du genre appelé « Arena Rock » dans les années ’80. J’ai voulu faire apparaître cette énergie dans la chanson. Je formulerai la même remarque pour « Winds Of Change ». Don Barnes [chanteur de 38 Special} préférait faire quelque chose de plus moderne mais je l’ai convaincu de garder intact l’esprit des années ’80. Mon ami Dennis DeYoung s’est lui carrément inspiré du style de Styx sur « Proof Of Heaven » avec des arrangements prog rock et des éléments du théâtre. Je trouve cela très rafraîchissant car aujourd’hui trop de grands noms du rock des années ’70 et ’80 se détachent de l’univers musical qui a fait leur succès. En réalité, ils sont découragés par la crise de l’industrie du disque. 

    Le titre générique de l’album « Winds Of Change » est un vrai message d’espoir.

    Je me suis inspiré d’une fusillade dans un lycée en Floride qui a fait plusieurs victimes. Ces tueries de masse se répètent malheureusement à un rythme trop soutenu aux Etats-Unis. Des centaines d'étudiants ont manifesté dans la rue. Ce qui m’a frappé c’est le discours tenu par les enfants qui ont survécu au massacre à propos du contrôle des armes. Personnellement, à 17 ans, je n’aurais pas pu avoir des paroles aussi sensées après un tel drame. Ces enfants ont fait preuve d’une maturité incroyable. Ils incarnent le vent du changement. Grâce à eux, je reste optimiste devant l’humanité. 

    JIM PETERIK, promo

    On peut aussi entendre la version originale de « Just For You » qui a été popularisée par REO Speedwagon en 1999.

    En effet. Après avoir écrit « Just For You », j’ai invité Kevin Cronin [chanteur de REO] à me rejoindre dans mon home studio à Chicago. La chanson d’origine a un côté fragile, touchant.  Kevin a finalement choisi d’enregistrer avec son groupe une version alternative sur laquelle on peut entendre les merveilleux arrangements de Peter Asher [album The Ballads]. Il m’a appelé il y a quelques mois pour me dire qu’il possédait toujours la démo et m’a suggéré de l’ajouter sur le nouvel album. On se connaît depuis plus de 40 ans. C’est l’un de mes meilleurs amis.

    Tu partages le chant de « I Will What I Want » avec Kelly Keagy (Night Ranger) dont tu as produit les deux albums solos. Il ne se contente pas d’être un bon batteur, Il possède aussi une très belle voix à l’instar de Peter Criss (Kiss), Dean Castronovo (Journey) ou Don Henley (Eagles).

    Comme tous les artistes que tu viens de citer. Kelly est une force de la nature. C’est un batteur imprévisible. Tu ne sais jamais à quoi t’attendre avec lui. C’est assez surprenant mais une fois que tu as compris la subtilité qui se dégage de son jeu et entre dans le rythme, cela devient vraiment explosif. « I Will What I Want » est un bon exemple, c’est un titre plein d’énergie. Sa voix est sublime. Kelly est aussi un compositeur de talent. Et puis, humainement, c’est quelqu’un de très positif et de chaleureux.  

    Parlons des petits nouveaux, les Scandinaves de Work Of Art présents sur le très aéré « When The Eagles Dare ». Etait-ce un choix du label ?

    Non. Lors du MelodicRock Fest à Chicago, il y a quatre ans, j’ai fait la connaissance des gars de Work Of Art. J’ai été fasciné par la voix de Lars Safsund tandis que Robert Säll est un brillant guitariste. Il s’est avéré qu’ils étaient tous les deux fans de mon travail. Je leur ai donné le titre « The Music Remembers »  la plage d’ouverture de l’album hommage à Jimi Jamison et Fergie Frederiksen [Torch]. Work Of Art est le premier groupe que j’ai contacté pour ce 2è opus de Live Stage. J’ai imaginé « When The Eagles Dare » en me basant sur le jeu de Robert et la voix de Lars. C’est l’un de mes morceaux préférés de ce disque bien qu’il soit différent du reste. 

    Comment vous êtes vous réparti le travail ? Quel a été la part de chacun ?

    En fat c’est assez simple, on travaillait ensemble sur la musique et j’apportais généralement les paroles sauf pour « Proof Of Heaven », une chanson entièrement écrite par Dennis DeYoung. C’était généralement du 50/50. Tous m’ont rejoint en studio à l’exception de Danny Vaughn [Tyketto] qui habite en Alaska. C’était compliqué au niveau organisation. Nous avons donc utilisé Skype et FaceTime pour créer « The Hand I Was Dealt ». C’est un enregistrement spontané.  C’est même l’un des moments fort du disque.

    JIM PETERIK et DENIS DE YOUNG

    On trouve aussi le très beau et émouvant « Love All Over The World » interprété par Jimi Jamison (Survivor). Un  titre posthume. 

    En effet, l’idée était d’avoir une chanson de Jimi Jamison que personne n’avait jamais entendue, même sur scène. En 2008, Jimi a commencé  à travailler sur un album orienté country car il était attaché à ses racines. J’ai trouvé l’idée excellente. Nous avons enregistré sept ou huit chanson dans l’esprit « new country ». Je considère certaines d’entre-elles comme intéressantes mais « Love All Over The Wolrd » est une perle. J’ai ajouté sur la démo des mandolines, des guitares acoustiques et une guitare dobro. Cependant, nous n’avons jamais achevé ce morceau car le boss du label de Frontiers m’a demandé de réaliser un nouvel album rock pour Jimi, le futur Crossroads Moment. Les premières années après sa mort, j’ai dû sortir du brouillard mais quand j’ai commencé à travailler sur ce deuxième disque de Wolrd Stage, cette chanson m’a traversé l’esprit. J’ai contacté la famille de Jimi et celle-ci m’a donné carte blanche pour utiliser sa voix avec une nouvelle orchestration.. Mon fils Colin, joue de la batterie sur ce morceau posthume, je partage les guitares avec Mike Aquino et Bill Syniar tient la basse. Ce fut une session très émouvante. Jimi n’était pas vraiment absent, son esprit était avec nous dans le studio. Je devais bien à mon vieil acolyte de fermer cette parenthèse. Il me manque beaucoup.

    Tu as perdu un autre bon camarade, Stephan Ellis (bassiste de Survivor) qui est décédé au mois de février. As-tu une anecdote à partager avec nous ?

    Stephan avait deux passions, le vin rosé et sa basse. C’était un homme très modeste mais il a été l’un des architectes du son de Survivor. Il faisait galoper son médiator donnant ainsi une attaque puissante aux notes. Son style était en fait similaire à celui de Chris Squire de Yes. Stephen était heureux de son statut d’artiste. Après la sortie du 1er album, Frankie et moi cherchions un son différent. Nous venions de nous séparer de Dennis Keith Johnson [bassiste] et Gary Smith [batteur]. Nous sommes partis à Los Angeles pour trouver leurs remplaçants. On a auditionné de nombreux musiciens sans succès jusqu’au jour où notre ami Ferggie Frederiksen nous a invité à boire un verre dans un bar appelé le Flippers Roller Disco. On regardait des filles qui faisaient du pole dance pendant qu’un groupe répondant au nom de Baxter jouait du rock’n’roll. Leur bassiste se débrouillait vraiment bien. Frankie trouvait qu’il avait le profil. J’étais de son avis. Profitant d’une pause j’ai invité Stephan à venir passer une audition pour Survivor. Sa réponse fut brève : « qui ? Jamais entendu parler ! » (il rit). Nous n’étions pas encore célèbres à ce moment-là. Je lui ai répondu que le groupe était sous contrat avec le label Scotti Brothers et avait déjà réalisé un disque. Le lendemain matin, il s’est présenté au studio d’enregistrement. Le batteur Marc Droubay était également présent ce jour-là. La séance fut magique. Nous tenions enfin notre section rythmique. Le nouveau line-up a travaillé durant cette première session sur « Heart Of Stone », un enregistrement qui n’a jamais vu le jour.

    Quelles sont tes relations aujourd’hui avec les membres historiques de Survivor ?

    Stephan Ellis (basse) nous a malheureusement quitté au mois de février à l’âge de 69 ans. C’était un quelqu’un de très modeste mais il a été l’un des architectes du son de Survivor. Je suis resté en contact avec Dave Bickler (chant). Nos carrières ne se sont pas vraiment séparées puisqu’il joue occasionnellement au sein du collectif World Stage. Nous avons d’ailleurs interprété un titre de son album solo [Darklight] pendant un concert l’an dernier. Pour ce qui est de Frankie [Sullivan] c’est plus compliqué. Il y a un respect mutuel entre-nous mais on ne communique pas vraiment. Il est très protecteur par rapport au nom de Survivor (Katy Perry échappera de peu à un procès pour avoir utilisé, en 2013, l'expression «  Eye of the Tiger  » dans les paroles de son titre «  Roar  »). Je ne peux pas le blâmer pour cela car il a apporté énormément au groupe. C’est un guitariste et compositeur brillant. Est-ce que j’envisage de revenir au sein de Survivor ? Non, je préfère continuer mon bonhomme de chemin seul.

    Tu as écrit plus de 5.000 chansons au cours de ta carrière. Quel serait ton top 5 ?

    Tout d’abord « Vehicle » des Ides Of March. Je devais avoir une petite vingtaine d’année au moment d’écrire  ce tube. J’ai eu beaucoup de chance. Ensuite, il y a évidemment l’incontournable « Eye Of The Tiger » choisi par mon ami Sylvester Stallonne comme générique d'ouverture de Rocky III. « The Search Is Over », un autre titre de Survivor, « Hold On Loosely » un morceau composé pour 38 Special et « That’s Why God Made The Radio » des Beach Boys car j’ai réalisé un de mes rêves en composant une chanson pour mon idole, Brian Wilson.

    Ce sont pour la plupart des tubes intemporels. Il est certain que dans cinquante ans, « Vehicle » et « Eye Of The Tiger » seront encore diffusés sur les ondes.

    Je suis fier de savoir que ma musique me survivra. Ce n’est pas facile d’évoquer sa fin mais ces mélodies resteront gravées dans la mémoire collective car elles sont universelles. J’ai déjà atteint l’âge de la retraite. Je suis grand-père aujourd’hui et mon fils est un excellent musicien, compositeur et ingénieur du son. Je sais qu’il gérera efficacement mon patrimoine musical. Je ne me tracasse pas pour cela. Si je suis arrivé à faire passer des émotions à travers mes chansons durant toutes ces années, c’est ma plus belle récompense, mort ou vif (rires) !

    JIM PETERIK, promo 2

    Tu as présenté à Sylvester Stallone deux titres pour la B.O du film Rocky III, « Eye Of The Tiger » bien sûr mais quel a été le second morceau ?

    « Ever Since The Love Began », une de mes plus belles compositions. Malheureusement, cette ballade n’a pas été retenue par la compagnie cinématographique au grand dam de Sylvester Stallone d’ailleurs toutefois, il l’a utilisée pour la bande originale de Lock Up [Haute Sécurité}) en 1989. J’étais fier d’annoncer à mon père que j’avais écrit deux chansons deux chansons pour le long-métrage Rocky. Lorsque je lui ai joué « Ever Since The Love Began » il a eu les larmes aux yeux. Malheureusement, il n’a jamais entendu « Eye Of The Tiger » car son état s’est dégradé pendant que nous enregistrions l’album aux studios Rumbo, à Canoga Park, dans la banlieue de Los Angeles. Alerté par mon épouse, j’ai pris le premier avion pour Chicago mais je suis arrivé trop tard. C’est mon plus grand regret. Comme je suis une personne très spirituelle, je suis certain qu’il a entendu la chanson là-haut. « Fighter », une autre titre inspiré par le film est resté à l’état de maquette, Frankie Sullivan estimant qu’il ressemblait à « Eye Of The Tiger ».

    As-tu vu le film Creed II ?

    Non !

    La bande son de ne vaut pas celle des quatre premiers Rocky. On ne trouve pas des chansons iconiques de le trempe de « Eye Of The Tiger » et « Burning Heart »…

    C’est probablement la raison pour laquelle je n’ai pas été le voir. Je suis resté en contact avec Sly. Il m’a demandé plusieurs fois de lui écrire un nouvel hymne rock mais les types de la société de production ne voulaient que des artistes de hip hop et de rap pour la série Creed. Il n’a pas le contrôle la-dessus.

    On voit des images des missions Apollo dans le clip de « Vehicle ». Où étais-tu lorsque Neill Armstrong et Buzz Aldrin ont posé le pied sur la lune, il y a 50 ans ?

    J’avais 18 ans au moment de l’alunissage. Je me souviens avoir écarquillé des yeux comme des soucoupes en entendant la voix de Neill en direct. Mon frère s’est alors mis à rire : « c’est du chiqué Jim. Ces images sont prises dans un studio de télé… » Je lui ai répondu « Tu es complètement fou, tout cela est bien réel ! » . Il m’a vraiment mis hors de moi sur le moment. Les premiers hommes sur la lune, c’est l’Amérique que j’adore. Ce pays a accompli des choses extraordinaires durant de longues années. Je n’ai pas eu de rôle majeur dans le montage du clip mais la vidéo est devenue culte. Le type qui a réalisé cela a été bien inspiré.

    Tu ne chômes pas puisque le nouveau disque de la formation The Ides Of March, Play On devrait sortir en août 2019.

    Nous fêtons cette année notre 55è anniversaire. Le titre fait référence  à une citation de Shakespeare : If Music is the Food of Love, Play On ! (« Si la musique est la pâture de l’amour, joue encore ! »). C’est vraiment la philosophie de notre bande d’amis. De nombreux invités sont venus nous rejoindre en studio à Chicago pour cet enregistrement comme Joe Bonamassa et Mark Farner [Grand Funk Railroad]. Ce dernier chante avec moi sur « Swagger », une très belle chanson. Je fais aussi un duo avec Cathy Richardson [Jefferson Starship] sur « Blue Storm Rising » le 1er single. On trouve également sur le disque Bo Bice [participant de l’émission American Idol] et Paul Shaffer [pianiste du David Letterman Late Show] ainsi que Mindi Abair, une saxophoniste de blues rock qui joue un solo incroyable. Vous trouverez tous les ingrédients qui ont fait le succès des Ides Of March : des mélodies qui collent au cœur et au corps, des textes intéressants et des harmonies calibrées.

    Te souviens-tu de tes deux passages au Lokerse Feesten ?

    Bien sûr. Je m’y suis produit une première fois en 2005 avec Pride Of Lions. On ne savait pas trop à quoi s'attendre en venant en Belgique mais on n'a pas été déçu ! Nous avons joué devant 18.000 personnes enthousiastes. Je me rappelle avoir aperçu une banderole sur laquelle on pouvait lire « We Believe In Pride Of Lions ». Ce fut un moment particulier. Toby [Hitchcock, chant] a été tellement bon ce soir-là que nous avons décidé d’immortaliser le concert sur le CD/DVD « Pride Of Lions - Live In Belgium ». Je suis revenu deux ans plus tard avec Wolrd Stage en compagnie de Jimi Jamison, Kip Winger et Kelly Keagy. Nous avons terminé la nuit dans un bar de Lokeren où la bière belge a coulé à flots. Crois-moi, j’en garde un souvenir impérissable. (rires).

     Retrouvez cet article dans Hellzine (mai-juin 2019)

    JIM PETERIK & WORLD STAGE

    Winds Of Change

    Frontiers Records

    JIM PETERIK, Wolrd Stage cover

    Jim Peterik, l’ex-guitariste et claviériste de Survivor et co-auteur de la chanson « Eye Of The Tiger » n’a pas lésiné sur les moyens pour faire de ce nouvel exercice avec le projet World Stage, une bombe ! Winds Of Change propose un casting de fou. Don Barnes (38 Special), Jason Scheef (Chicago), Mike Reno (Loverboy), Dennis DeYoung (Styx), Kevin Cronin (REO Speedwagon), Kelly Keagy (Night Ranger), Danny Vaughn (Tyketto), Toby Hitchcock (Pride Of Lions), Kevin Chalfant (The Storm)… bref la Rolls des chanteurs. Chaque chanson correspond adéquatement au casting de cet album qui retrace quarante-cinq ans de Metal AOR. « Sometimes You Just Want More » et « Home Fires » sont des titres mélodiques, énergiques et accrocheurs tandis que « Without A Bullet Being Fired » est un tube en puissance.  L’album propose surtout une musique qui a pour elle de toucher directement l’auditeur. Si « Proof Of Heaven » est impérial, retrouver la voix du regretté Jimi Jamison (Survivor) sur une chanson inédite de 2008 (« Love You All Over The World »), est un réel bonheur. Les fans seront aussi heureux d’apprendre que Jim Peterik a enregistré un nouveau disque avec les Ides Of March (sortie en août).
     [Ph. Saintes]

     


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  • Souvenirs du 4è Wildfest, un sympathique festival de Glam Rock, Sleaze Rock et Hard FM qui s'est déroulé samedi dernier à Grammont (Geraardsbergen) capitale mondiale de la tarte à maton.  

    Midnite City, Grammont, 25 mai 2019

    Midnite City. Il n'y a pas que le Brexit de l'autre côté de la Manche ! 

    Rob Wylde, Grammont, 25 mai 2019

    Rob Wylde (Tigertailz) avec Midnite City, la grosse claque de la soirée.

    Shiraz Lane, Grammont, 25 mai 2019

    Hannes Kett (Shiraz Lane), un chanteur subtil.

    Shiraz Lane, Grammont, 25 mai 2019 (2)

    Set acoustique pour les Finlandais de Shiraz Lane. Le soliste du groupe ayant raté son avion !

    The New Roses, Grammont, 25 mai 2019 

    The New Roses (Allemagne) : un show énergique. 

    Crazy Lixx, Grammont, 25 mai 2019

    Jens Lundgren, Jens Sjöholm et Danny Rexon (Crazy Lixx) en formation de combat.

    Crazy Lixx, Grammont, 25 mai 2019 (3)

    Danny Rexon version Top Gun.

    Crazy Lixx, Grammont, 25 mai 2019 (2)

    Crazy Lixx, Grammont, 25 mai 2019 (4)

    Crazy Lixx, Grammont, 25 mai 2019 (5)

    Le quintet suédois a défendu avec panache son tout nouvel album Forever Wild.

     Photos © Phil de Fer 2019


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  • WHITESNAKE

    La langue du serpent 

    David Coverdale n’a jamais sa langue dans sa poche. Un regard tourné avec lucidité vers le passé, un autre qui fixe le futur avec enthousiasme, la tête pensante de Whitesnake évoque pour Metal Obs le nouvel album Flesh & Blood avant la tournée européenne qui fera escale au Graspop le 23 juin. [Entretien avec David Coverdale (chant) par Philippe Saintes  - photos : Tyler Bourns]

    WHITESNAKE : Band 2018

    Tu t’apprêtes à repartir pour une tournée mondiale avec Whitesnake. Les ennuis de santé sont derrière toi ?

    Oui, je suis d’attaque. J’ai souffert pendant dix ans d’une forme de dégénérescence articulaire au niveau des genoux. J’ai consulté de nombreux spécialistes dans le monde entier. Des injections de stéroïdes, des antidouleurs puissants et du gel m’ont permis de me produire sur scène jusqu’en 2016. Pendant les concerts  en Amérique du Sud et les traitements médicaux ne suffisaient plus à soulager les douleurs. J’ai alors appelé mon épouse pour lui dire que je ne pouvais plus continuer comme ça et qu’une opération était inévitable si je ne voulais pas terminer mon existence dans un fauteuil roulant. Mon genou droit abîmé a été remplacé par une prothèse en titane au mois de janvier 2017 et le gauche a suivi en mai. Grâce au docteur Brad Penenberg, un chirurgien remarquable, tout s’est bien déroulé.  Une fois remis sur pied, mon ami Mick Jones de Foreigner m’a invité à participer à une tournée des salles aux USA pendant deux mois, l’été dernier. Ce fut pour moi l’occasion de tester mes nouveaux genoux sans pression. A présent, je suis fin prêt pour la nouvelle tournée ! 

    Avec Flesh & Blood, vous allez droit au but. Tout est dit dans le titre (la chair et le sang)…

    Ce 13è album de Whitesnake est une extension de toutes les choses que le groupe a pu faire dans le passé, du hard rock au rhythm'n'blues en passant par des ballades, des morceaux couillus et des titres accrocheurs comme  « When I Think Of You (Color Me Blue) ». On retrouve aussi une inspiration plus sombre sur « Heart Of Stone » et des instants joyeux sur le single  « Shut Up & Kiss Me ». Je suis resté fidèle à ma façon d’écrire. C’est un album organique, honnête et sans artifice. En terme de progression, je pense que ce line-up s’est encore amélioré. Tommy Aldridge [batterie] et Michael Devin [basse] ont joué de façon incroyable. Les amateurs de bonne rythmique vont apprécier. Tous les membres ont travaillé dans une ambiance collective. Nous avons été très soudés tout au long de l’album. Ce groupe est un véritable mur du son !

    Beaucoup de grands guitaristes sont passés dans Whitesnake. Il y a eu Micky Moody, Bernie Marsden, Mel Galley, John Sykes, Vivian Campbell, Adrian Vandenberg, Steve Vai, Doug Aldrich et maintenant Joel Hoekstra. Ce dernier a très vite trouvé sa place.

    C’est la première fois que je composais avec Reb Beach et Joel Hoekstra. Je suis convaincu que cette association a été fructueuse et consistante. Joel est un musicien vrai, naturel et très créatif.  C’est un véritable plaisir de travailler avec lui. Nous avons écrit ensemble « Good To See You Again » la plage titulaire, qui me fait penser aux premiers enregistrements de Whitesnake, des Rolling Stones ou des Faces avec Rod Stewart, bref à la belle époque du blues-rock. « After All » a été le premier morceau que nous avons travaillé à l’issue du « Purple Tour » fin 2016. Joel a pris l’avion à New York pour me rejoindre à Reno et enregistrer la chanson avec la complicité d’un quatuor à cordes mais nous n’avons pas eu le temps de la terminer pour l’inclure dans le boxset Unzipped. J’avais ce titre en tête depuis plusieurs années déjà.  Je tenais à exprimer ma reconnaissance et ma gratitude à mon épouse, Cindy, qui m’accompagne depuis 29 ans maintenant. Dans le milieu du rock c’est un record ! Elle est une source d’inspiration au quotidien pour moi. 

    WHITESNAKE :David Coverdale Flesh And Blood

    Ton épouse et ton fils font une apparition dans le clip de la chanson « Shut Up And Kiss Me » qui est un clin d’œil à la période MTV du groupe…

    Absolument. J’ai écrit le script avec Tyler Bourns, un jeune réalisateur et scénariste qui avait déjà travaillé sur les vidéos de The Purple Album. Nous nous sommes retrouvés dans mon bureau avec un véritable storyboard comme pour un scénario de film ou de série télévisée. Whitesnake ne fait pas des vidéos au rabais. J’ai pu constater que plusieurs de mes collègues réalisaient des clips minimalistes parce qu’aujourd’hui le principale média de diffusion est internet. « Shut Up And Kiss Me » a été tourné comme un film. C’est le teasing parfait pour lancer l’album. Dans un premier temps, j’avais songé à louer un club dans le centre ville de Reno mais je me remettais seulement de mes opérations. J’éprouvais un certain mal être physique et ne souhaitais pas apparaître en public. Nous avons donc tourné ce clip chez moi, dans mon propre studio. C’est fou comme celui-ci donne l’illusion d’un club de rock. Nous avons fait appel à des amis  de tous âges. J’ai aussi ressorti du garage la Jaguar XJ qui avait été utilisée dans le clip de « Here I Go Again » réalisé il y a plus de trente ans. Grâce à Dieu, elle est toujours dans un état impeccable. C’est incroyable ! Cette vidéo est vraiment une machine à remonter le temps. On s’est énormément amusé durant le tournage avec cette voiture iconique et terriblement rok’n’roll. Pourquoi ne font-il plus des modèles aussi sexy aujourd’hui ? Je possède une Lexus LC 500 custom, cependant je préfère la vieille anglaise qui est la vraie vedette du clip. Come on baby (rires) !

    Flesh And Blood aurait dû sortir en 2018, mais vous avez rencontré de nombreux pépins…

    Comme chaque fois que je prépare un album il m’arrive des bricoles toujours au plus mauvais moment.  Après ma double opération, j’étais épuisé physiquement et mentalement. Pendant l’enregistrement, j'ai eu une horrible grippe. Il a fallu environ six semaines avant que je ne me sente de nouveau bien. Ensuite, alors que nous étions à un stade avancé de la production de l’album,  l’ordinateur avec le logiciel Pro tools a fait un crash pendant une session de mixage. C'était horrible ! Heureusement un spécialiste a pu récupérer les fichiers mais là encore nous avons perdu énormément de temps.

    Peux-tu confirmer que « Gonna Be Alright » est un morceau écrit à l’origine pour Jimmy Page ?

    Oui, c’est vrai. L’enregistrement de ce morceau m’a rappelé le bon vieux temps. « Gonna Be Alright » est basé sur un riff que j’avais spécialement écrit pour Jimmy. Ce dernier a été une vraie source d’inspiration. Travailler avec lui a été l’un des temps forts de ma carrière. Dans l’éventualité d’une suite au projet Coverdale-Page, je souhaitais proposer à Jimmy « Gonna Be Alright » ainsi que des titres comme « Woman Trouble Blues » et « Take Me Back Again » finalement achevés avec Adrian Vandenbergh pour l’album Restless Heart [1997]. Nous nous sommes mis d’accord, Jimmy et moi, pour remixer bientôt l’album Coverdale-Page. Cette nouvelle édition comportera 4 ou 5 titres inédits.

    Les fans ont été gâtés ces derniers temps avec l’édition spéciale 30è anniversaire de l’album 1987 puis le coffret Unzipped en 2018 et plus récemment l’édition de luxe de Slide It In. Comptez-vous sortir d’autres coffrets de ce type prochainement ?

    Certainement. Le box set Slip Of The Tongue sera commercialisé à la fin de l’année à l’occasion du 30è anniversaire de cet album. Nous allons faire des remixes avec plusieurs invités prestigieux. En 50 ans de carrière j’en ai des anniversaires à célébrer (rires). Comme tu le vois, je navigue en permanence entre le studio et la scène.

    WHITESNAKE :David Coverdale

    En 2021, tu fêteras tes 70 ans. C’est un cap !

    Je suis moi-même étonné. J’ai 67 ans. Avant c’était vieux, plus aujourd’hui. Et je suis toujours aussi jeune dans ma tête. Lors de la sortie du précédent disque studio, j’avais annoncé vouloir prendre ma retraite mais la tournée de 2016 a eu sur mois un effet régénérateur. Tout le monde est emballé par le nouvel album, le label, les musiciens, mon entourage. Le succès n'est pas garanti à l'avance mais il y a une telle énergie positive autour de ce disque que je n’ai qu’une seule envie, continuer à faire ce merveilleux métier le plus longtemps possible.

    Whitesnake se produira en Europe au mois de juin. Un mot sur la setlist ?

    2019 marque le 35è anniversaire de Slide It In. Le public aura droit à quelques morceaux de cet album. On jouera évidemment les classiques « Is This Love, « Here I Go Again » et « Still Of The Night » et j’espère quatre ou cinq chansons de Flesh And Blood. Je pense que « Shut Up And Kiss Me » et « Gonna Be Alright » sont taillés pour la scène. Le public va apprécier cette tournée car Whitesnake ne joue jamais à l’automatique.

    Pour les fans belges de Whitesnake, peux-tu me dire de que quoi s’inspire l’instrumental « Belgian Tom’s Hat Trick » qui figure sur le premier album de Whitesnake Trouble (1978) ?

    Cette histoire remonte à la 1ère tournée de Whitesnake. Le mouvement punk qui venait d’envahir des capitales comme Londres, Berlin et New York, avait quelque peu ringardisé les groupes de hard rock et de rhythm'n'blues. À 27 ans, j’étais considéré comme un dinosaure par la presse britannique. En guise de riposte, je décidai de baptiser la tournée « Back To The Roots » (retour aux sources). Nous avons joué dans des petits clubs en Angleterre. De nombreuses personnes devaient écouter à l’extérieur car il n’y avait pas assez de places pour tout le monde. Après un concert à Scarborough, une ville du littoral du Yorkshire, je me suis assis au bar avec Micky Moody. Celui-ci avait son légendaire chapeau à large bord vissé sur la tête. Une fille s’est approchée et lui a demandé : d'où viens-tu. D’un air très naturel, Micky a répondu :  Je suis belge et je m’appelle Tom. Elle a fini par le croire ! Comme ils étaient attirés physiquement, ils ont fait cela trois fois, si tu vois ce que je veux dire…le coup du chapeau. Voilà l’histoire ‘romantique’ de « Belgian Tom’s Hat Trick » (rires)…

     Retrouvez cet article dans Hellzine (avril-mai 2019)

     WHITESNAKE : Flesh And Blood - cover

     WHITESNAKE

     Flesh & Blood

    Frontiers Records 

    Avec Flesh & Blood, Whitesnake a retrouvé la flamme d’antan. On s’en souviendra comme des premiers albums ou de l’incontournable 1987. Reb Beach et Joel Hoekstra dessinent ensemble des chorus en arabesque comme à la belle époque. Quant au vieux routier Tommy Aldridge, il est resté un frappeur hors pair. Les musiciens ont mis leur compétence au service du patron Coverdale, dans l’esprit que celui-ci désirait, à savoir un hard musclé, bluesy et catchy. « Shut Up And Kiss Me » vous reste aussi facilement dans la tête qu’un conte de Perrault. « Good To See You Again », « Gonna Be All Right » et « Trouble Is Your Middle Name » sont obstinément heavy. « Well I Never» claque juste comme il faut. Tout aussi nerveux, le titre éponyme « Flesh & Blood » confirme le bien que l’on pense de cet album. « Heart Of Stone » est un blues plus vrai que nature. Enfin, trois morceaux sont à classer parmi les ballades rock. L’acoustique « After All » vous donne le frisson (normal pour un serpent), « Always & Forever » semble tout droit sorti de la période Slide It In tandis que « When I Think Of You » est une chanson d’amour triste. Coverdale reste parmi les plus grands, incapable de se trahir et incontestablement trop « jeune » pour s’embarquer dans une tournée d’adieu ! [Ph. Saintes] 

     

     


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  • BURNING RAIN, De Bosui, 16 avril 2019

    Profitant d’une pause des Dead Daisies, Doug Aldrich a trouvé le temps de sortir le mois dernier un quatrième album avec Burning Rain, Face The Music. Doug et son compère Keith St John faisaient escale mardi soir à Weert, une petite ville des Pays-Bas située à 40 minutes seulement de Liège, dans le cadre de leur Stripped & Naked-tour. Le duo a proposé dans la formule guitares-voix la moitié des titres de son nouvel album (« Revolution », « Midnight Train », « Beautiful Road », « If It’s Love », « Face The Music »), d’autres chansons de son répertoire dont les magnifiques « Cherie Don’t Break My Heart », « Our Time Is Gonna Come » et « Heaven Gets Me By », deux pépites de Whitesnake (« Forevermore » et « Crying In The Rain ») ainsi que des classiques fédérateurs brillamment revisités (« Jumpin’ Jack Flash », « You Can’t Get Always What You Want », « Purple Haze » « Stairway To Heaven »,…)

    BURNING RAIN, De Bosui, 16 avril 2019

    Voilà deux musiciens non seulement très sympathiques mais aussi fabuleux lorsqu’il s’agit de transcender des morceaux habituellement très rapides et électriques. Ils ont surtout pris du plaisir à faire chanter le public dans une ambiance relax. En résumé, un set intimiste marqué de bout en bout par la voix d’un grand chanteur et le jeu d’un guitariste hors pair. 

    Doug Aldrich, De Bosui, 16 avril 2019

    Keith St John, De Bosuil (NL), 16 avril 2019

     Photos et texte © Phil de Fer 2019

     


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  •  BURNING RAIN

    Toujours Incandescent 

    Grand retour discographique pour la paire Aldrich-St John. Si les deux compères tournent actuellement en Europe dans une formule « duo acoustique », le nouvel album a été réalisé avec le renfort du batteur Blas Elias (ex-Slaughter) et le bassiste Brad Lang (Y & T). Face The Music et aussi agressif qu’accrocheur. [Entretien avec Keith St John (chant) par Philippe Saintes  - photos : Jeff Forney]

    BURNING RAIN 2019 - promo

    Keith, comment a été composé l’album ?

    Doug et moi avons composé et arrangé toutes les chansons. Le mixage a été confié à Alessandro Del Vecchio (Revolution Saints), un spécialiste, pour gagner du temps. On avait des tas d’ébauches de morceaux au moment de commencer à travailler sur l’album. On se retrouve chez Doug ou chez moi à L.A. et les idées germent dans nos têtes au fur et à mesure de la session. C’est très simple comme procédé. Autrement Doug m’envoie des idées claires sous forme de démo, avec les parties de guitare, la basse et des boîtes à rythmes. J’ajoute des paroles et lui fait part de quelques suggestions. C’est bien, parce que nous nous motivons mutuellement. Nous avons utilisé protools et de nombreux logiciels de guitares. On enregistrait directement de la maison et on s’envoyait les corrections par e-mail. Nous avons déjà procédé comme cela, et cela ne nous pose pas de problème. D’autres chansons ont vu le jour après une jam dans un studio avec Blas Elias notre batteur. Ce fut une super expérience, sur pleins d’aspects différents. Je suis très satisfait des chansons de Face The Music que je qualifierai de « directes » par rapport aux titres d’Epic Obsession (2013) dont les arrangements étaient plus complexes.

    Tu collabores avec Doug depuis 20 ans. Comment expliquer que Burning Rain est toujours présent en 2019 ?

    L’amitié et la passion tout simplement. On a effectivement créé ce groupe en 1998 et c’est vrai que ça commence à être une longue histoire. Tant que l’on aura la sensation de bien faire les choses ensemble, on continuera. Et puis, Doug est quelqu’un d’unique. Il peut tout jouer, du heavy metal au hard rock en passant par le blues. Il parvient à adapter son style mais en conservant ses textures caractéristiques. 

    Autour de toi et Doug, la formation a régulièrement changé. Finalement Burning Rain est-il un duo ou un groupe ?

    Si l’on regarde notre parcours, on peut effectivement dire que Burning Rain est un duo, à l’instar de The Cult, mais avec ce nouveau line-up, je pense que nous allons poursuivre l’aventure en tant que groupe. Brad et Elias ont apporté un nouveau souffle. Ils ont vraiment l’esprit d’équipe, cela fait partie de leur ADN, et la cohésion musicale est indéniable.

    BURNING RAIN band 2019 :

    Vous donnez actuellement une tournée européenne acoustique en duo, peux-tu nous parler de la setlist…

    On adore la scène et Face The Music est encore très frais. Je ne sais pas si nous allons jouer tous les morceaux de l’album mais chaque concert sera différent. On peut jouer un soir « Hit And Run » et le remplacer le concert suivant par « Nasty Hustle ». On trouve également dans la setlist des titres de nos précédents albums mais aussi des reprises de Whitesnake et de Montrose.  

    Qu’en est-il des concerts électriques ?

    Nous avons donné un premier set lors d’une soirée de présentation de l’album à  Las Vegas, le 28 mars dernier. Ce 28 avril, nous jouerons au Frontiers Rock Festival à Milan. Le groupe est en contact avec des promoteurs américains et européens. Je pense que la formation au grand complet devrait se produire vers le mois de septembre en Europe. L’annonce officielle doit tomber prochainement. L’objectif est de tourner davantage en 2020 car Doug  a des obligations cette année avec les Dead Daisies et moi avec Kingdom Come. 

    Tu as effectivement tourné l’an dernier avec Kingdom Come aux Etats-Unis, en remplacement de Lenny Wolf, le chanteur d’origine. A la fin des années ’80, ce groupe a été taxé de clone de Led Zeppelin par la critique. Aujourd’hui une jeune formation comme Greta Van Fleet qui s’inspire très largement du style du Zep, est portée au pinacle par les médias et a même reçu un Grammy Award. Kingdom Come est-il né 30 ans trop tôt ?

    (Il rit). C’est vrai que Led Zep a été un modèle inspirateur. C’est malheureux à dire mais Kingdom Come est un groupe que tout le monde avait oublié avant cette tournée, à l’exception des fans de la première heure qui sont venus massivement à nos concerts. On a pu tester notre niveau de popularité au cours de cette tournée et le bilan est très positif. Le groupe est bien rôdé et le show s’améliore. J’ai adoré me produire avec James (Kottak, batterie) qui est un bon copain. J’ai aussi tissé des liens avec Johnny (B. Frank, basse), Danny (Stag, lead) et Rick (Steier, guitare rythmique). Kingdom Come a fait partie du mouvement pop metal initié par Quiet Riot durant les 80s. Ce style populaire qui faisait un ravage sur MTV a été la cible de certains journalistes prétentieux. Cette presse pompeuse a profité de la vague grunge pour enterrer toute une génération. Ce fut le déclin. Dans les années ‘90, il fallait se réinventer ou disparaître. Aujourd’hui à l’époque du post-millenium, la jeune génération est à la recherche de l’âme des années ‘70 et ’80. Des gamins de 14 ans écoutent à nouveau Led Zeppelin et Jimi Hendrix. Les groupes « badas » reviennent à la mode. Les mentalités évoluent et c’est rafraîchissant de voir que qu’un groupe comme Greta Van Fleet, qui incarne cette jeunesse, est présenté comme le nouveau Led Zeppelin. 

    "Brad et Elias ont apporté un nouveau souffle. Ils ont vraiment l’esprit d’équipe, cela fait partie de leur ADN, et la cohésion musicale est indéniable."

    BURNING RAIN : Keith and Doug

    Tu as été le bras droit de feu Ronnie Montrose pendant 13 ans mais ton nom n’apparaît pas sur l’album posthume du guitariste 10x10 sorti l’an dernier, pourquoi ?

    Je pense qu’à la base, il y a eu un problème de communication. Entre la sortie de l’album et le décès de Ronnie, cinq ans se sont écoulés. J’ai travaillé une bonne année avec Ronnie sur ce qui devait être le 6è album de Montrose. On se rendait mutuellement l’un chez l’autre pendant le processus de composition. Ensuite, Ricky Philips (The Babies, Styx) et Eric Singer (Kiss) ont commencé à enregistrer les parties rythmiques. Ronnie a alors connu des hauts et des bas à cause de la maladie. Il pouvait décrocher pendant une demi-année puis revenir plein d’enthousiasme au point de vouloir repartir en tournée. Malheureusement avec les emplois du temps de chacun, il a été bien difficile de finaliser ce projet. Après le décès tragique de Ronnie, Ricky a commencé à travailler sur des chutes de studio. Je n’ai jamais vraiment su pourquoi il ne m’avait pas contacté pour finir le disque. Comme tu l’as mentionné, j’ai été le chanteur de Montrose pendant de nombreuses années. Je sais que Ronnie souhaitait collaborer avec divers  chanteurs mais il m’avait aussi convié sur deux ou trois titres. Finalement, toutes mes chansons ont été écartées et je n’ai pas été invité sur l’album. Dommage ! J’aurai peut-être un jour une discussion avec Ricky Philips à ce sujet. 

    Ton premier groupe officiel fut Big Trouble. On trouvait au sein de cette formation,  Bobby Rondinelli (ex-Rainbow), Jon Levin (Dokken) et Tommy Henriksen (Alice Cooper, Hollywood Vampires). Aujourd’hui on parlerait d’un « supergroupe ». As-tu gardé des contacts avec tes anciens partenaires. Et existe-t-il encore des bandes de l’époque ?

    J’ai convaincu Jon de s’installer ici en Californie. Il habite à une demi-heure de la maison et on se voit régulièrement. Je parle occasionnellement à Bobby que je croise parfois lors de concerts, en revanche, je n’ai plus eu de contact avec Tommy depuis un bon moment. Concernant des enregistrements, Jon doit avoir quelques mixes chez lui. Un ingé son qui a travaillé avec nous doit aussi posséder quelques prises.   

    Quel a été ton premier concert ? 

    Ozzy Osbourne au début des années ’80 à North Island, en Californie. 

    Et ton premier disque vinyle ?

    Oh, mon Dieu ! J’ai reçu de nombreux disques à Noël ou lors d’anniversaires quand j’étais ado. Ils sont toujours à la maison d’ailleurs. Je pense que ça doit être Rock And Roll Over de Kiss. Plus ou moins à la même période, j’ai dû recevoir les doubles best-of « rouge » et « bleu » des Beatles.

    Retrouvez cet article dans Hellzine (avril-mai 2019)

     

    BURNING RAIN : Face The Music - cover

    BURNING RAIN 

     Face The Music  

     Frontiers Records

    Une bonne nouvelle : les gars sont de retour. Quand on dit les gars, on parle de Doug Aldrich et Keith St John, soit la cheville ouvrière de Burning Rain qui sort un quatrième album pour son vingtième anniversaire. La principale force de ce disque est sa simplicité. Pas d’effets de style douteux, ici tout est clair, limpide, à l’image des guitares fluides d’Aldrich et du chant de St John qui relève de la performance. « Lorelei » et « Shelter » sont des titres de rock blues efficaces,  « Beautiful Road » et le single « Midnight Train » sont bourrés de tripes alors que le groove infectieux de « Hideway », interprété façon James Brown, apporte une nouvelle dimension au groupe. Burning Rain n’a pas oublié ses racines puisque l’on entend sur cette galette certaines influences prédominantes : Aerosmith  (« Nasty Hustle », « Hit And Run »), AC/DC (« Face The Music »), Whitesnake (« If It ‘s Love »)  et Led Zeppelin (« Since I’m Loving You »). Voici incontestablement l’album du premier semestre 2019. Et si un groupe sort un CD contredisant ce jugement, j’en serai le premier à m’en féliciter : ce ne pourrait être que l’album de l’année…[Ph. Saintes]

     


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